Илья Славутский в своей новой неожиданной работе поднял целый пласт отечественной музыкальной культуры под названием «эстрада первой половины ХХ века». Не забытые, но и далеко не избалованные повторениями и современными обработками прекрасные песни Петра Лещенко, Изабеллы Юрьевой, Леонида Утесова, Клавдии Шульженко, Вадима Козина в исполнении качаловцев звучат свежо, современно, актуально. Высокохудожественная поэзия и качественная музыка – это материал, из которого соткан ретро-концерт. Каждая песня – мини-спектакль о жизни, любви. И он разыгрывается качаловцами блестяще. Их голоса, интонации, танцевальные номера дарят зрителям настоящий вихрь эмоций, побуждают к сопереживанию, переносят в другую эпоху и пространство…

В концерте участвуют народный артист Татарстана Илья Славутский, заслуженная артистка Татарстана Елена Ряшина, заслуженная артистка Татарстана Эльза Фардеева, Алексей Захаров, молодые артисты и инструментальная группа театра. Вокал и музыкальное сопровождение – живой звук.

Съемочная группа «Татар-информ» делится секретами и деталями создания кабаре в исполнении актеров драматического театра.

В Казани на Малой сцене русского академического драматического театра им. В. Качалова прошла премьера ретро-концерта «Когда зажгутся фонари», над которым два месяца трудился Илья Славутский. Монохромная, стильная постановка действительно больше напоминает кабаре, чем традиционный спектакль. Такого «качаловская» сцена еще не видела. Четыре актера, четыре образа затерялись во времени где-то между 1892-м и 1940-м годами. Елена Ряшина, Эльза Фардеева, Алексей Захаров и сам Славутский прочли залу стихи поэтов Серебряного века, исполнили песни из репертуара Петра Лещенко, Изабеллы Юрьевой, Леонида Утесова, Вадима Козина, Клавдии Шульженко.Театральные музыканты в этот вечер покинули оркестровую яму, на время примерив роль салонных артистов. А вокруг – пары танцовщиков: танго, вальс, фокстрот.

Автор, режиссер-постановщик, одновременно исполнитель одной из главных ролей кабаре Илья Славутский поделился мыслями о чудовищной российской эстраде, манифесте «за потрясающие образцы» песенного жанра, «архисложных» задачах и тонкостях модного дела.

Илья Александрович, правда ли то, что вы привезли идею этого концерта из Марселя, где всей труппой показывали полюбившееся французами кабаре?

– Да, здесь целая история. В Марселе на фестивале русских театров, участниками которого мы многократно были, существует такая традиция: русские драматические артисты исполняют после спектакля музыкальную программу из русских песен: некое подобие кабаре. Поэтому, получается, что работа над этим концертом шла не один год. У истоков стояли мы с Еленой Ряшиной, Назаром и Булатом Туктамышевыми (оркестранты музыкального коллектива театра – прим. Т.-и.). Сначала мы составили подборку песен, которые мы любили и знали, затем сочиняли, придумывали вариации на эти мелодии. Это замечательный жанр, который может быть очень театральным, и в нашей труппе возможности его воплощения есть: поющие артисты, замечательный живой оркестр. Так эта программа переросла в самостоятельный концерт-спектакль. И сейчас он обретает свою полноценную жизнь в репертуаре нашей Малой сцены как оригинальная и эксклюзивная постановка.

Если я не ошибаюсь, это ваша пятая режиссерская работа. И ставите именно ретро-концерт, путешествие по настроениям 20 века. Чем он для вас так притягателен, не замечала за вами консерватизма. Скучаете по тем временам?

– Не только я, думаю. Мне кажется, сейчас ностальгия – массовое явление. Это обращение к прошлому очевидно проявляется сейчас и в кино, и в литературе. Если вы включите телевизор, пролистаете 50 каналов, на сорока будут крутить старое хорошее кино. Я подчеркиваю – хорошее, либо какие-то передачи исторические. Наступает время, когда человек хочет переосмыслить прошлое потому, что 20 век был очень насыщен событиями: и трагическими, и счастливыми, насыщен открытиями, техническими свершениями. И революция, и завоевание советского строя, и полет в космос. Это колоссальное количество исторических событий, очень плотно приближенных друг к другу, мне кажется, не дало возможности вздохнуть, подумать, оценить. Сейчас, спустя десятилетия, хочется это сделать и такая возможность есть.

Начало 20 века в нашей стране – это художественный взлет во всех областях: в кинематографе, музыке, живописи и в архитектуре. А все эти песенки из нашей постановки, и я специально говорю «песенки» потому, что на старых пластинках значится именно «грустные песенки» или «веселые песенки», – это не просто песенки, это жемчужины. Это очень глубокие по смыслу, очень тонко написанные стихи, прекрасно, фантастически написанные мелодии. Они бессмертны. На фоне той чудовищной эстрады, что мы сейчас, на мой взгляд, имеем, свет от песенной сокровищницы начала века становится еще ярче.
Российская эстрада в крайне печальном состоянии пребывает, на мой взгляд. Это псевдотворчество настолько вторично, блекло и малоталантливо, настолько пусто смыслово, беспомощно и мертво. И на фоне этой пошлой примитивности ретро звучит настолько пронзительно, настолько искренне, на таком высоком уровне профессионализма. И мы рады дать людям возможность узнать или вспомнить, что такое на самом деле песня, какие замечательные исполнители были. Ведь это тоже была эстрада, но мощная, разноплановая, обширная.  В нашем концерте звучат песни из репертуара Юрьевой, Козина, Петра Лещенко и других прекрасных артистов. Всего прозвучит около 30 композиций, и концерт идет час 40 всего, а хотелось бы намного больше. Российская, советская эстрада 30-х, 40-х, 50-х, 60-х, вплоть до 70-х – это огромный пласт потрясающих песен по профессиональному уровню, по качеству вокала даже просто. Это же невероятно!

Получается, «Когда зажгутся фонари» – это манифест против эстрады?

– Это не манифест «против» чего-то, это манифест «за». За то, что есть потрясающие образцы песенного жанра, о которых мы хотели людям напомнить, подарить им радость встречи с по-настоящему прекрасным искусством. Где еще люди услышат эти песни? Были какие-то попытки современных эстрадных певцов прикоснуться к этому материалу, но, к сожалению, я не видел ни одной удачной. Возможно, дело в страшном несоответствии уровня песен и скромного дарования многих представителей нашей современной эстрады. Песню во многом делает артист, который на сцене: он по-настоящему глубоко рассказывает некую историю, в каждой этой «песенке», на первый взгляд простенькой, очень хорошие стихи, в каждой заложена история, посыл, мораль.

С музыкальной составляющей понятно – Борис Фомин, Леонид Утёсов, что с поэтической частью? У меня не получилось с первого раза на слух распознать авторов и произведения.

– Это в большинстве своем Серебряный век: Георгий Иванов, Гумилев, Северянин, Брюсов, Лохвицкая, есть также Маршак, Бёрнс. Когда мы начали работать над постановкой, мы сознательно сделали выбор в пользу этих авторов, которые, возможно, не так широко известны.

Не хотели мейнстрима?

– Тут странная вещь произошла: стихи моего любимого поэта Маяковского или Пастернака оказались настолько самодостаточными, что не соединялись с песнями. Или музыка, или поэзия оказывались подавленными. А вот эти авторы соединились, оказались более прозрачными. Они дают больше возможностей для интерпретации. «Когда зажгутся фонари» – цельное повествование, слаженное и собранное в единую линию. Было очень важно, чтобы все компоненты дополняли друг друга, являлись звеньями одной цепи.

Вы «вытащили» театральный оркестр из оркестровой ямы на сцену, музыканты все-таки не привыкли находиться в прицеле взглядов сотни зрителей, не боитесь, что они заглушали тот драйв от актеров? Работали ли с ними дополнительно?

– Работа над этим была проведена. Хотя, на мой взгляд, музыкант не должен ничем не отличаться от драматического артиста, понятия эмоциональности, заразительности должны присутствовать. И актерскому мастерству в консерватории должны учить, хотя в реальности не всегда так, согласен. Музыканты в нашем концерте становятся такими же полноценными артистами, участниками спектакля. Я стараюсь научить и улыбаться, и проживать эти истории вместе с нами. Они это будут делать и уже делают на репетициях. Ведь если музыкант не чувствует и вместе с вокалистом, например, не «дышит», то эффекта на зрителя никакого не будет.

Концерт оказалось сложнее ставить, чем вы думали?

– Это во много раз сложнее, чем обычный спектакль потому, что здесь у режиссера намного меньше инструментов, драматических рычагов воздействия, к которым я привык. Есть хорошие мелодии и хорошие тексты, но по большому счету здесь нам предстояло создать свою драматургию. Каждую песню нужно было проработать, довести до состояния «истории». В сущности, у нас получился связанный по смыслу и настроениям, антуражу набор маленьких спектаклей. Здесь нет никакого режиссерского выпендрежа, все, казалось бы, очень просто. И, надо сказать, сделать просто – это самое сложное. Плюс ко всему Малая сцена диктует свои законы: зритель в паре сантиметров от нас, все должно быть до крайности притягательно.

Вы сознательно запланировали выпуск концерта под Новый год?

– Да, это абсолютно сознательное решение театра, такой подарок зрителю под Новый год. Именно так. Хотя никаких елок и Дед Морозов у нас нет, здесь чувствуется рождественско-новогоднее настроение. Была задача сделать хороший, стильный, умный, добрый спектакль.

Вы здесь выступайте не только как режиссёр, но и как один из ключевых артистов, не мешает ли роль режиссировать и наоборот?

– Это, на самом деле, архисложно.

Во время репетиции концерта вы часто поправляли артистов, показывали им, как лучше воплотить идею. Не страшно, что вам некому подсказать, как лучше?

– Я был бы рад подсказать самому себе со стороны, и в данном случае оттачиваю в себе эту способность и умение посмотреть на себя, на спектакль в целом со стороны, абстрагироваться от своего личного участия. Во время репетиций я много раз перехожу из роли артиста в роль режиссера: со сцены в зал. К тому же я не один наблюдаю за процессом: в зале всегда сидят те, кто могут что-то увидеть, что я не сразу вижу или замечаю. Думаю, у нас получается.

В главных ролях, в качестве чтецов и вокалистов в концерте было задействовано всего четверо артистов. Алексей Захаров – самый молодой из этой группы, к нему и возникало больше всех вопросов на репетициях. Справился?

– Это очень непростой жанр, но это определенно его жанр. В Алексее есть эксцентрика, которая здесь необходима, он участвовал в этой программе и во Франции. Леша, кстати, появился в нашем кабаре очень забавным образом. Он на театральном капустнике вместе с ребятами сделал шутливую песенку, пел Вертинского очень смешно, точно, заразительно. Я увидел и сразу понял, что надо брать его в программу. Кроме того, для этого спектакля нужно было найти очень разноплановых артистов. В некотором смысле мы вчетвером – это разные театральные маски: в сущности – Пьеро, Арлекин, Коломбина и Пьеретта. Через стихи и песни протянуты четыре сформированные линии.

Фраки, лакированные туфли, блестки, диско-шар и лодочки с ремешками чуть ли не послевоенной моды – костюмы и декорации точно из одной эпохи? В какое время вы перенесли зрителя?

– Это хорошо, что вы не можете понять. Поскольку песни наши во времени распределились от 1892 года до почти 1940-х, то есть в достаточно большом промежутке, в котором мода кардинально сменилась раз десять. Поэтому, когда мы стали придумывать костюмы, мы пришли в ужас: какую брать эпоху? Если брать только 40-е годы с этими колечками, буклями и силуэтами, то это значит, отсекать все остальное. А этого нам не хотелось. Мы нашли некое пограничное пространство вне времени. Мы играем в ретро.

Использованы детали костюмов и декораций разных десятилетий. Очень долго думали над прическами: сейчас нашелся хороший баланс – заплели девушкам косы с лентами, убрали волосы наверх. И все смотрится органично, но, чтобы прийти к этой простоте, нам пришлось серьезно поразмыслить. Например, цветки на фраках кавалеров – это «привет» от Петра Лещенко, фрак – «привет» от Вертинского. Но с учетом того, что цветки в тон фракам, это не смотрится пошло, примитивно или вычурно. Все нарочито сделано немножко наивно, это сознательный акт. Очень жестко выдержана цветовая гамма: я хотел создать эффект старой фотографии, поэтому отказался от ярких цветов, – здесь нет ни зеленых, ни синих, ни желтых. Все серебристо-молочное, как на старых карточках.


Если кабаре, концерт превратился в постановку с прослеживаемыми линиями героев, стала драмой, то у нее появился общий смысл. О чем ваш спектакль?

– Это призыв радоваться жизни, любви и просто существованию. В чем ценность человеческой жизни? Все просто: ценность в том, что мы любим, дружим, только в суете мы об этом забываем. А в этих «песенках» есть про это. Они, может быть, наивны, но эти «наивные» старомодные «песенки» нас возвращают к исходным понятиям, дают возможность стереть весь мусор, весь поток бесконечной, ненужной информации. Вот главное.

В понедельник 27 ноября отметил свой юбилей художественный руководитель и директор Государственного академического большого драматического театра имени Василия Качалова, депутат Госсовета Татарстана, народный артист России и Татарстана, лауреат Гос.премии РТ им.Г.Тукая, лауреат Премии Правительства России им.Ф.Волкова Александр Яковлевич Славутский.  

Его имя на слуху не только у завзятых театралов. Кто побывал хотя бы на одной из многочисленных постановок «качаловцев», обязательно заинтересуется их репертуаром. Если окажется рядом со зданием театра непременно осмотрит театральные афиши с фрагментами спектаклей. Поинтересуется стоимостью билетов. Так, шаг за шагом новый зритель подтягивается к театральным подмосткам. Не факт, что он становится ярым поклонником Качаловского – как всякое творческое сообщество, этот театр имеет друзей и недругов, почитателей и «отрицателей» предлагаемого сценического формата. Александр Яковлевич Славутский не скрывает, что в целом пока доволен, как идут дела в театре. Конечно, прежде всего, как руководитель этого сложного, многообразного, живого «производства». То, что практически каждый вечер «театр полон, ложи блещут» — во многом и его заслуга, и отрицать очевидный факт вряд ли кто возьмется.

Однако каждый день приносит новые заботы и хлопоты, каждый театральный цех требует внимания и насыщения. Неудивительно, что Александр Славутский, разговаривая с нами в своем кабинете на темы личные и профессиональные, успевал наблюдать за репетицией вечернего спектакля и, кажется, даже иногда «оказывался» на сцене вместе с артистами.

Редчайший случай, если директор театра не присутствует на спектакле, или не смотрит его прямую трансляцию со своего рабочего места. И это не от недоверия к коллективу. Как говорит сам Александр Яковлевич, это его личное беспокойство, привычка все доводить до совершенства. Хотя не всегда получается, конечно.

И он всегда был таким – с юности. И потом, когда понял, что тяга к театральному действу перевешивает все остальное. Полвека понадобилось Александру Славутскому, чтобы убедиться в правильности выбора дела всей жизни.

Мы же понимаем, что стать успешным деятелем в любой сфере, мало только опыта и профессионального образования. Стереотип, но, как сейчас говорят – актуален: лидер должен быть немножко с «сумасшедшинкой», с неким особым обаянием, присущим только ему одному, способностью иметь жесткую хватку и мало кого бояться. На мой взгляд, художественный руководитель известного в стране театрального коллектива этими «фишками» обладает. Мы решили использовать для юбилейного интервью с Александром Славутским, немного необычный формат, и соединили конкретные вопросы и ответы в режиме «нон-стоп».  Это немного напомнило мне – поклоннице репертуара театра имени Качалова – один из любимых жанров «главного».

Похожее на ритм чечетки — динамичное театральное действо с изрядной долей странной мечты-фантазии.  

— Александр Яковлевич, Вам как художественному руководителю больше по душе только положительные отзывы о работах коллектива, или  «разношерстные» мнения тоже имеют право на существование и воспринимаются вами с интересом?
—  Практически каждый вечер на наших спектаклях полный зал, и далеко не только на премьерах аншлаг: все пятьсот пять билетов куплены. Но есть люди, которые не считают это критерием успеха. Конечно, существуют разные точки зрения: я-то уверен, что если зритель уходит со спектакля, то это плохо, и ответственность за это лежит, в первую очередь, на художнике. Театр должен учитывать зрителя, не идти у него на поводу, но учитывать, думать о нем. Работать же исключительно на мнения одного или двух критиков, считаю пошлостью.

— Но Вы ведь учитываете их мнение?
— Мне важно, чтобы мнение критика открыло что-то новое в сделанном мною, и в результате помогло.  Сейчас, к сожалению, в журналистике немало агрессивных и наглых дилетантов, много высказываний анонимных, что  дает возможность элементарно оскорблять людей. Бессмысленно прислушиваться к подобным, а вот умные отзывы, конечно же, приму во внимание. Важно понимать, что даже самый одаренный критик — это всего лишь делающий свою работу человек. Он приходит и смотрит наш спектакль один — два вечера, а мы коллективом в двести человек работаем над ним по полгода. Мне кажется, журналисты и критики должны осознавать, что мы все плывем в одной лодке, не быть высокомерным по отношению к нашему общему делу. Для меня авторитетами являются только мое сердце и автор произведения, по которому я ставлю спектакль. Критиковать зрителей бессмысленно. Если они встают и уходят во время спектакля, значит, это наша недоработка. Режиссер должен знать своих зрителей, и уметь говорить с ними о том, что их волнует, а главное — быть искренним. В наш театр приходят педагоги, врачи, учителя, студенты. Это все небогатые люди. Но эти зрители мне важны и дороги, поэтому мы не поднимаем цены на билеты.  

— На гастролях вы обычно держите не самую высокую ценовую планку?
— В городах, где мы гастролируем, тоже нет большого количества миллионеров. Например, в этом году были в Кирове, две недели прошли при аншлаге, для нас это определяющий момент, а не  цены на билеты.

— Все, кто видели вашу новую остановку – пьесу Михаила Булгакова «Бег»,  задаются вопросом: почему именно это произведение?
—  Я искал пьесу, которая мне бы понравилась правдой  оценки социально-политических процессов, происходивших в нашей стране в начале 20 века. Булгакова я вообще люблю, и желания отметить дату — столетие Октябрьской революции у нас не было. О «Беге» я думал еще в молодости. Всех персонажей этого произведения считаю заслуживающими сострадания, и мне хотелось отдать дань памяти людям, чья жизнь был загублена обстоятельствами социальных преобразований.  

— Есть ли в семье, где вы родились, люди, причастные к миру театра?
— Моя старшая сестра  много лет была главным режиссером хабаровской студии телевидения.


— Чем притягательным оказался театр именно для вас?
— Еще в школе ходил в театральный кружок, в 16 лет поступил в театральную студию в  Челябинске. Мне нравился театр, помню запах грима, театральные чудеса на сцене. И вот уже 50 лет театр – моя жизнь.  

— За что можете уволить актера?
— За бездарность, лень и равнодушие, к сожалению, уволить нельзя. Поэтому остаются только нарушения трудовой дисциплины, в кодексе все написано.  

— Бывает ли такое, что личные взаимоотношения артистов переносятся на сцену?
— Артист, выходя на сцену, должен забыть о личной любви или ненависти. Иначе он не артист. Он должен присвоить себе обстоятельства персонажа и жить ими.  

— Вы избраны депутатом Госсовета Татарстана, на недавнем заседании  татарстанского парламента поднимался вопрос об обязательном изучении татарского языка. Как Вы оцениваете эту ситуацию?
— Считаю, что каждый человек должен знать родной язык, владеть им. У нас два государственных языка. Хорошо было бы, если бы все могли друг  с другом объясниться. Считаю, что в любом вопросе важно уметь находить точки соприкосновения. Когда решаются сложные задачи, я всегда помню, что за мной стоит коллектив театра, и обращаясь к власти, стараюсь быть убедительным, чтобы меня поняли, услышали и помогли. Президент Татарстана Рустам Минниханов всегда идет навстречу нашему театру, за что мы ему искренне благодарны. Огромным достижением последних нескольких лет считаю успешно проведенную дорогостоящую реконструкцию здания нашего театра…

— Оправдал ли ваши ожидания, как депутата, принятый в прошлом году Госсоветом Татарстана закон «О театре»?
— Хотелось видеть в этом документе, законодательно закрепленную статью о полномасштабной контрактной системе, но, к сожалению, это вступает в противоречие с трудовым кодексом.  В такой ситуации неталантливый человек  становится неким «балластом» для коллектива. Контрактная система позволила бы без больших обид с обеих сторон расстаться, что называется, по-хорошему.  

—  Вам не хотелось самому выйти на сцену в качестве артиста?
— Я в юности уже был актером, но быстро понял, что это не моя профессия. Слишком зависимая, а мой свободолюбивый характер этому сопротивляется.  

— Было ли у вас желание попробовать себя в кинорежиссуре?
— Всегда хотелось. В юности не получилось Если бы сейчас представилась возможность снять фильм, то хотелось бы экранизировать что-нибудь из хорошей современной литературы.

— Александр Яковлевич, Вам не кажется, что сейчас люди ходят в театр, чтобы послушать хорошую, грамотную речь, дефицит которой явно ощущается в современном обществе?
— Люди приходят в театр, чтобы получить радость, надежду, что жизнь не бессмыленна.  

— Расскажите о малой сцене вашего театра. Нет ли ощущения, что это площадка для второстепенных постановок?
— Ни в коем случае. Некоторые спектакли здесь сыграть труднее, чем из репертуара Основной сцены. Малая — это всего лишь обозначение размера зала. Сейчас у нас в репертуаре Малой сцене «Вишневый сад», «Женитьба», «Мышеловка». «Последний день» по произведениям Марины Цветаевой, «Последний коммунист» по повести Залотухи. Экономически эта сцена дает нам меньше денег, потому что зал вмещает меньше зрителей, но популярность его очень высока. Здесь камерная атмосфера. Многим нравится.  

— Большая часть жизнь занята театром. Есть ли какие-то сожаления, мечты?
— Сожаление только одно – жизнь быстротечна. Мы знаем, чем она закончится. Если бы сейчас начал с моим нынешним опытом, то меньше бы совершал ошибок.  Мечты? Хотел бы завести кота, но, к сожалению, пока не могу себе этого позволить, потому что мы с супругой (актриса Светлана Романова) практически не бываем дома. Сын Илья (Илья Славутский – актер и режиссер театра имени В.Качалова) живет отдельно.  

— Если делить людей на «кошачьих» и «собачьих», то к каким бы вы себя отнесли?
— Скорее, к собачьим. Мне нравятся собаки с хорошими челюстями, которые могут ухватить и держать добычу.

— Как вы проводите свободное время, если оно есть?
— Все свободное время я, так или иначе, посвящаю театру. Если предоставляется возможность, люблю поездить за рулем на машине. Если куда-то выезжаем, с удовольствием похожу по магазинам: у меня нестандартная фигура, и я предпочитаю сам покупать себе вещи. А вообще я в свое время много чем увлекался: делал скульптуры, выращивал цитрусы, цветы, иногда столярничал, у меня есть для этого все инструменты.  Я по натуре созидатель. И свою жизнь в театре всегда строил исходя из этого.

Сегодня художественному руководителю – директору Казанского академического русского Большого драматического театра им.В.И.Качалова Александру Славутскому исполнилось 70 лет. С юбилеем его поздравил Мэр Казани Ильсур Метшин.

«Это вам – с уважением и благодарностью за служение культуре Казани», – с этими словами градоначальник вручил имениннику благодарственное письмо. «Это маленькая толика того, что есть у меня на сердце – от имени всех почитателей вашего таланта», - отметил Ильсур Метшин.

Мэр обратил внимание на то, что в разные годы Александр Славутский жил и работал в таких городах, как Челябинск, Чита, Ростов-на-Дону. Тем не менее, по признанию самого юбиляра, Казань стала для него родным городом. «Все позвонили, все поздравили – вся театральная Россия, которую я знаю. И бывшие ученики, и артисты, которые у меня работали. Очень радостно», - поделился эмоциями он.

Стоит отметить, что Александр Славутский почти полвека ведет успешную творческую деятельность – он поставил около 80 спектаклей по произведениям русской и мировой классики, лучшим образцам современной драматургии. Более 35 лет он успешно возглавляет театральные коллективы. В Казани А.Славутский работает свыше 20 лет. Именно в период его управления Качаловскому театру было присвоено почетное звание «Академический».

По инициативе А.Славутского при поддержке руководства республики была проведена масштабная реконструкция исторического здания Качаловского театра. 3 года, в течение которых шла реконструкция, коллектив театра продолжал плодотворно работать – выпускать премьеры на малой сцене, проводить творческие и юбилейные вечера, выезжать на гастроли, осуществлять прокат спектаклей на других площадках города.

Большая работа проделана художественным руководителем театра по формированию труппы, которая на сегодняшний день – пример слаженного ансамбля ярких индивидуальностей разного поколения.

Особое внимание А.Славутский уделяет подготовке творческой молодежи. Так, по его инициативе при театре были выпущены два актерских курса РАТИ (ГИТИС), выпускники которых в настоящее время в числе ведущих артистов театра.

Ильсур Метшин выразил уверенность, что впереди у Александра Славутского – еще много громких проектов и достижений. Мэр Казани также высказал добрые пожелания семье художественного руководителя театра: жене (народной артистке России и Татарстана Светлане Романовой) и сыну (народному артисту Татарстана Илье Славутскому), которые, к слову, были одеты в яркие костюмы - встреча проходила перед началом показа комедии «Безумный день, или Женитьба Фигаро».

Художественному руководителю, директору Казанского академического русского Большого драматического театра имени В.И.Качалова исполнилось 70 лет

Председатель Партии «Единая Россия» Дмитрий Медведев поздравил народного артиста Российской Федерации с юбилеем.

Александру Славутскому, художественному руководителю, директору Казанского академического русского Большого драматического театра имени В.И.Качалова исполнилось 70 лет.

В телеграмме, в частности, говорится:
«Благодаря Вашему режиссёрскому таланту, творческой энергии, тонкому художественному вкусу в легендарном Качаловском театре царит особая атмосфера. Здесь бережно сохраняют традиции и всегда открыты новым экспериментам.

Вы как-то сказали, что театр должен быть праздником, должен приносить человеку радость. Вот уже многие годы своим искусством Вы подтверждаете эти слова».

27 ноября отмечает свой 70-летний юбилей директор, художественный руководитель Качаловского театра Александр Славутский.

На каком фундаменте стоит один из старейших театров России,  и чем качаловцы заинтересовали коллег из Поднебесной, народный артист РФ, главный режиссер Качаловского театра накануне своего юбилея рассказал «АиФ Регион».

Всегда открыт

«Я многое могу и умею. Знаю толк в строительстве и ремонте, умею обращаться с дрелью, прочей серьёзной техникой… Но кроме театра у меня ничего в жизни нет. Это моя профессия.

Качаловским театром я руковожу 24 года. За это время у нас никогда не было раздрая, каких-то скандалов. Мой кабинет никакой секретарь не охраняет – я прекрасно обхожусь и без него, и без приёмной. Если мне звонят, я беру трубку сам. Дверь в кабинет открыта - ко мне с вопросом может обратиться любой работник театра.

Мне не нравится, когда мы, подражая Западу, ставим во главу угла деньги. Государство не может стоять на одних дельцах. Мне интересны люди, которые что-то создали в нашем мире, какую-то другую реальность. Но иногда приходится слышать: «Славутский опять хвастается деньгами». Это не так. Я хвастаюсь не деньгами, а востребованностью театра.

Театр за сезон зарабатывает порядка 52 млн руб. Мы могли бы зарабатывать и больше, но не можем позволить себе  поднять цены: сразу ограничим контингент наших зрителей. Это учителя, врачи, инженеры, школьники, студенты…. Можем бесплатно пригласить на спектакль детей из малообеспеченных семей, ребят из детских домов, инвалидов, пенсионеров. Когда есть такая возможность, мы делаем это.

Красивый, изящный и… злой

Зритель у нас есть – это данность. Можно ли его изменить? Наверное, нет. Но мы можем повести его за собой в мир красоты и добра. Для этого должны заинтересовать его историей, сюжетом, стилем, вкусом, красотой.

Не ставим бульварных пьес. В основе спектаклей всегда хорошая литература: Пушкин, Чехов, Достоевский, Бомарше,  Шекспир, Вайль… Это фундамент театра.

«Скрипач на крыше» сыгран уже 380 раз, «Cемейный портрет с посторонними» - 253. Премьера этого сезона спектакль «Бег» по Булгакову уже заработала в два раза больше, чем было потрачено на её постановку. Доход от «Безумного дня или Женитьбы Фигаро» в четыре раза превысил постановочные затраты. Дважды оправдал себя «Дон Жуан»,  «Брак по-итальянски» - трижды…  Как определить гениальность спектакля? Конечно, не деньги - главный критерий. Но, если зритель на спектакли не ходит, то для кого же театр работает? Для двух критиков? Театр должен находить отклик.

Для меня потрясением стал «Евгений Онегин»  Римаса Туминаса в Вахтанговском театре, произвела впечатление «Гроза» в БДТ. Этот спектакль Андрея Могучего красивый, мощный, изящный и… злой. Он о нашем российском менталитете, в котором есть раздолбайство, безалаберность, неумение распоряжаться своими ресурсами.  Прагматизм свойственен американцам – для них это основная ценность, а нам бы это качество пригодилось как средство. Ну как это так – делать лучшие в мире самолёты, технику и не создать своего сильного автопрома?

Люблю и не люблю

Спектакль «Плутни Скапена» по Мольеру я всегда ставил про себя. Это моя любимая пьеса - о человеке, который не принимает обстоятельства, но вынужден к ним приспосабливаться. Вы думаете, я всё вокруг себя принимаю? Но я и кричать не буду, как некоторые другие режиссёры: «Караул! Меня травят!»

Польский сатирик Ежи Лец сказал: «Время не подлежит обсуждению. Подлежишь обсуждению ты, расположившийся во времени». Никогда не плачу, не прошу подаяний - пробиваю для театра возможность благополучного существования, ставя спектакли, которые пользуются интересом у зрителей.

Когда мне что-то не нравится, я иногда ругаюсь, топаю ногами, угрожаю, ласкаю, обещаю, хитрю и…  добиваюсь нужного результата! Его можно достичь по-разному.

Смотреть фильм «Матильда» никакого желания нет, но совсем не из богобоязненных мотивов. Не поддерживаю и мракобесов, которые кричат, что эта картина оскверняет что-то …  Меня тошнит от такого глупого пиара. Искусство ничто не оскверняет. Важно, во имя чего создаются произведения искусства.

О планах

В 2018 году мы готовимся к Первому Качаловскому театральному фестивалю, идею которого поддержал президент Татарстана. Сейчас минфин республики готовит финансовые расчёты по организации этого форума.

В конце января ждём приезда партнёров из Пекина, с которыми мы ведём переговоры, планируем обмен гастролями. Китайские товарищи пока остановились на двух спектаклях: «Пиковая дама» по Пушкину и «Роковые яйца» по Булгакову. Это достаточно эксклюзивный материал. «Пиковая дама» редко идёт на драматической сцене – больше известна как опера. Планируем обмен гастролями  (может быть, и постановочными группами) с театром Ганновера. Ведём переговоры с Дебреценом, который в следующем году будет культурной столицей Европы.

В 2018 году планируем показать, как минимум, три новых спектакля. Игорь Коняев будет ставить «Лес» Островского. Илья Славутский  начинает  репетировать «Пять вечеров» Володина. Я готовлю новый спектакль по «Тому Сойеру» Марка Твена. Том Сойер – это не начинающий бизнесмен. Для меня он поэт, художник, фантазёр! С одной стороны человек ранимый, с другой стороны – защищённый – тем, что он никогда не падает духом, в любых обстоятельствах остаётся человеком действия.

Внутренний критик

Мне приходилось общаться с Георгием Товстоноговым, с Александром Гончаровым. Но, наверное, на тот вопрос, который меня волнует, не смогли бы ответить даже они: зачем человек живёт? Каждый сам ищёт на него ответ.

Я очень рано начал думать о смерти – лет с сорока… Этот вопрос мучает всё время. Мы – лишь гости, песчинки на этой земле. Но это и хорошо. Напоминание, что ты не вечен – это как внутренний критик, совесть, которая следит всем, что ты делаешь. Если бы все люди понимали, что они не вечны, мы жили бы лучше, больше бы сделали».

27 ноября исполняется 70 лет Александру Славутскому — известному режиссеру, художественному руководителю и директору Казанского академического русского Большого драматического театра им. В.И. Качалова, лауреату Государственной премии РТ им. Г. Тукая и Премии
Правительства России им. Ф. Волкова, народному артисту России и Республики Татарстан.

Александр Славутский работал в театрах Челябинска, Читы, Ростова-на-Дону, и его яркие постановки становились известны всей стране, но с 1994 года, когда он возглавил Казанский русский театр, слава режиссера загремела не только в России, но и во многих странах. На всероссийских и зарубежных театральных фестивалях Славутский демонстрировал глубоко индивидуальное постижение мировой классики: «Вишневый сад» А.П. Чехова, «Глумов» и «Банкрот» А.Н. Островского, «Ревизор» Н.В. Гоголя и «Пиковая дама» А.С. Пушкина,
«Добрый человек из Сычуани» и «Трехгрошовая опера» Б. Брехта, «Безумный день,или Женитьба Фигаро» Бомарше и «Визит дамы» Ф. Дюрренматта, «Дядюшкин сон» Ф.М. Достоевского и «Великий комбинатор» И. Ильфа и Е. Петрова...

Перечислить все спектакли Александра Славутского невозможно — его режиссерская деятельность начиналась в 1974 году в Челябинске и за сорок с лишним лет поставлено было очень много, а за те почти четверть века, что он руководит Казанским русским театром, состоялись подлинные открытия, важные для российского театрального процесса в целом: кроме многих из уже перечисленных спектаклей это были и «Скрипач на крыше» Д. Бока и Д. Стейна, «Роковые яйца» М. Булгакова, «Квадратура круга» В. Катаева, «Золотой слон» А. Копкова...
Свой юбилей Александр Яковлевич Славутский встречает полным сил, энергии, идей и замыслов. И — главное! — неизменных принципов восприятия русского психологического театра как основного нравственного критерия отношения к искусству. Много лет назад Александр Славутский сформулировал свое кредо: «Никакого особого пути у нас нет. Я глубоко убежден, что это путь любви, добра и красоты. Искусство именно это и должно нести людям. Мы должны помочь человеку выжить в наше непростое время. В этом задача искусства».
Александр Яковлевич, здоровья, сил, энергии и вдохновения вам на долгие годы!

В понедельник, 27 ноября, художественному руководителю Казанского БДТ им. Качалова, режиссеру Александру СЛАВУТСКОМУ исполняется 70 лет. Он из той породы людей, кто никогда не боялся перемены мест. Творческий путь начинал в Челябинске, работал в Озерске, Чите, Ростове-на-Дону, Москве. Учился в Щукинском институте у Бориса Захавы и в ГИТИСе у Андрея Гончарова.

Однако где бы режиссер ни работал, везде дольше нескольких сезонов не задерживался, пока, наконец, в 1994 году не получил предложение возглавить Качаловский театр. Говорит, что ехал «буквально на один сезон», а остался, как выяснилось, навсегда. И сегодня Качаловский БДТ – один из интересных российских театров. О секретах своего руководства юбиляр рассказал в интервью «Театралу».

– Александр Яковлевич, вы сменили много театров, а как, на ваш взгляд, есть ли секрет успешного руководства?
– Их много… Но главный один: я не был диссидентом никогда и не собирался, равно как не был сторонником верноподданнических проявлений. Я просто ставил хорошую драматургию. И этим горжусь.

Мои авторы – Островский, Гоголь, Чехов, Мольер, Зощенко, Булгаков, Ильф и Петров, Фриш, Брехт, Катаев, Дюрренматт. Почти все они – в нашей афише. Люблю ироничность, не люблю пафос. Несмотря на мою внешнюю уверенность, я очень сомневающийся в себе человек. А хорошая драматургия, настоящая, подлинная литература в основе репертуара – это мой принцип на все временя. У меня ведь не было «новых» и «старых» времен, у меня было одно время всегда. Я никогда не ставил то, чего не хотел.

Долго я подбирался к «Пиковой даме». Произведение Пушкина хотя и классика и, что называется, не теряет своей актуальности в любую эпоху, но с ним нельзя обращаться грубо – слишком много факторов должно сойтись, а прежде всего – интонация времени. В 1999 году я ставил спектакль о потерянном шансе, упущенных возможностях. Но постепенно, конечно, он обрастал и другими темами.

И несмотря на мою любовь к комедии, почему-то именно «Пиковую даму» стали называть визитной карточкой нашего театра. Вероятно происходит это потому, что «Пиковая дама» уже объехала пол света, завоевала множество наград на театральных фестивалях и по-прежнему собирает полные залы.

– Стало быть, современность ищете в классике? А как же «новая драма»?
– К современной драматургии отношусь с интересом. Мы первыми в Казани еще в 1997 году поставили Николая Коляду, его «Куриную слепоту». У нас прошли первые читки пьес новой драмы с участием авторов Вадима Леванова, Юрия Клавдиева, Ярославы Пулинович. Это был полезный опыт. Сложность в том, что современная драматургия зачастую «плоская»,  неглубокая. Хочется открыть глубины, а там глубин недостаточно. Даже в лучших образцах.

Но вот недавно мы выпустили спектакль «Последний коммунист» по современной повести Валерия Залотухи. Почему я взял этот материал? Меня никто не заставлял, как не заставляли в свое время брать для постановки киносценарий Ираклия Квирикадзе. Это два серьезных, интересно мыслящих писателя. Мы играем сейчас «Последнего коммуниста», и спектакль находит такой отклик, такой эмоциональный отзыв в зале, не оставляет людей безразличными. Автор написал настолько искреннее, с такой верой. Он мыслит так же, как я. Для меня он единоверец.

– В ваших спектаклях часто звучит тема художника, вынужденного приспосабливаться к обстоятельствам, людям, ситуациям – «Глумов», «Великий комбинатор», «Плутни Скапена». Почему так?
– Потому что и в жизни эта тема преследует постоянно: не принятие обстоятельств человеком, а трагикомическая необходимость к ним приспосабливаться.

Невозможно все изменить под себя. На какие-то компромиссы все равно приходится идти. Это в природе человеческой существует, это находит отражение в спектаклях. Иногда надо пойти и в обход. Для того, чтобы добиться результата. Я вот только в последние годы стал понимать, что надо иногда хитрить с артистом, надо уметь, если поругать, то тут же сказать хорошее. Иначе не убедишь.

– На своем веку вы сменили множество театров. Иногда уходили резко, не найдя общего языка с городским начальством. А почему все же Казань стала для вас столь крепким пристанищем?
– Видимо, возраст… Я стал мудрее, стал опытнее, стал хитрее, методологически крепче, потому что, когда начинаешь, непременно кому-то подражаешь. Сейчас я никому не подражаю, а делаю, как я делаю, как мне хочется, дышу свободно, пишу свободно.

Я верю в театр-дом. Я может быть в него и не верил бы, если бы я не вырос в нем, не воспитался на нем. Я другого ничего не знаю. А то, что знаю, меня не устраивает.

Предпочитаю театр сердца, театр души, театр, который уважает зрителя. Если ты не уважаешь зрителя и говоришь, что зритель – холодец (такое определение прочитал недавно в одном журнале), то тебе нечего делать в этой профессии. Ежи Лец сказал очень просто: «Время – оно дано, оно не подлежит обсуждению. Обсуждению подлежишь ты, расположившийся в этом времени».
Зритель – это данность. Я ведь не могу сегодня взять и слить в унитаз всего зрителя, взять другого из другого пакета, растворить, размешать и привести в зал. Важно, чтобы и я сам уважительно к нему относился и заставил его уважать нас. Его надо увлечь: сюжетом, изобразительной составляющей, языком действия, существованием артиста на сцене по принципу «быть, а не казаться».

Мы должны быть интересны зрителю. Он же, как ребенок, приходит в зал, чтобы сопереживать, плакать, смеяться. Он не приходит разгадывать ребусы. Да, человек идет отдохнуть. И нет в этом ничего постыдного. А если человек, придя отдыхать, вдруг почувствует, заплачет, его душа завибрирует, и он поймет какие-то вещи для себя – это прекрасно! Брехт, Дюрренматт, Фриш говорили в той или иной последовательности: «Поучая развлекай, развлекая поучай». Мне близок этот принцип.

– В юбилей принято подводить промежуточные итоги.  Чем-то особенно гордитесь?
– Я горжусь тем, что русский Театр имени Качалова стал академическим, обрел молодое поколение, которое воспитано здесь, в наших стенах.

Мы открыли зарубежные просторы. На фестивале русского искусства в Марселе, например, побывали порядка десяти раз, а 20-й юбилейный фестиваль открывали сразу двумя нашими спектаклями  – «Вишневым садом» и «Дядюшкиным сном».
В каких бы городах мы ни выступали, везде проходили «на ура», зрители аплодировали и кричали нам «браво».

Недавно в театре закончилась масштабная реконструкция. Основная сцена теперь великолепно оснащена. Кроме того, у нас появилась Малая сцена и просторный репетиционный зал, которого нет во многих театрах.

Это, подчеркну, не самолюбование, а лишь некоторые итоги. Горжусь, что нахожу общий язык с властью, что власть меня слышит и понимает, и я ее понимаю. Сидеть на кочке и оплевывать власть, что я вот весь такой чистый, а власть такая-сякая, мне совсем неинтересно. Надо суметь любую власть убедить работать на духовный потенциал народа, что вклад в искусство – это вклад в генофонд народа. И реконструкция русского театра у нас прошла не на деньги федерального центра, а на свои, республиканские. Когда власть понимает культуру, для меня это показатель здравого смысла, разумности власти.

Недавно у нас зародился Качаловский фестиваль, о котором я мечтал с первых лет моей работы в Казани Сейчас уже есть поддержка и Министерства, и Президента. Но в то помещение, которое было, привозить такие театры, которые я хотел привезти, было неловко. А теперь мы можем приглашать солидные коллективы и будем развивать это направление. Кроме того, Малая сцена позволит привозить экспериментальные постановки. То есть мы будем иметь возможность видеть, знать, показывать самые разные стороны развития современного российского театра. И, конечно, основной нашей деятельность останется выпуск новых спектаклей.

В Москве подвели итоги Биеннале театрального искусства

Торжественная церемония закрытия Биеннале театрального искусства состоялась в пятницу, 10 ноября, на сцене Театра им. Евгения Вахтангова. Конкурс спектаклей молодых постановщиков «Уроки режиссуры», мастер-классы выдающихся российских режиссеров, выставки и презентации книг – все это сделало Биеннале одним из ключевых театральных событий осени.

В фестивале приняли участие 35 театров со всей России. Спектакли и выставки посетило более 37 тысяч зрителей, более 70 тысяч посмотрели мастер-классы по режиссуре онлайн. Церемония 10 ноября стал не только поводом наградить победителей конкурсной программы, но и возможностью подвести итоги.

Вечер начался с воспоминаний о выдающихся режиссерах прошлого – на большом экране появились портреты Константина Станиславского, Всеволода Мейерхольда, Евгения Вахтангова, Александра Таирова, Георгия Товстоногова, Анатолия Эфроса, Олега Ефремова, Юрия Любимова, Петра Фоменко…

– Сегодня этих мастеров уже нет с нами, однако их присутствие в нашей театральной школе с каждым годом становится все ощутимее, – отметил ведущий вечера искусствовед Дмитрий Трубочкин. – Их идеи, открытия и, главное, бесконечная вера в театр вдохновляют нас и поддерживают в минуты сомнений. Поэтому мы называем их своими учителями. И они по-прежнему дают нам уроки. Ведь режиссерское ремесло передается от учителя к ученику – что называется, из рук в руки. Так и живет театральная традиция.

Цель «Уроков режиссуры» заключалась как раз в том, чтобы укрепить преемственность и связь поколений. Работы молодых коллег на фестивальном смотре оценивали признанные мастера. В состав жюри вошли Алексей Бородин, Сергей Женовач, Григорий Козлов, Дмитрий Крымов, Римас Туминас, Валерий Фокин и Адольф Шапиро. Впрочем, все они отметили, что и сами учатся у молодого поколения.

– Я очень благодарен организаторам и всем, кто имел смелость и драйв показать свои спектакли, – сказал перед церемонией награждения победителей Дмитрий Крымов. – Все, что я увидел, пойдет в копилку моего опыта. Совершенно не чувствую себя вправе давать советы, но могу сказать вам то же, что каждый день говорю себе: сделай хорошо, сделай нескучно, сделай достойно, сделай умно, сделай красиво, сделай сильно, сделай убедительно. Представь себе, что в зале сидит не абстрактная публика, а кто-то, кто тебе дорог.

– Молодые режиссеры многому нас учат, но есть некая тревога за их судьбу и судьбу театра – каким он будет? – отметил Римас Туминас. – Я хотел бы пожелать ребятам, чтобы они любили человека, берегли слово и верили себе.

Сергей Женовач так напутствовал начинающих коллег:
– Как можно дольше оставайтесь молодыми. Мы в вас верим. А главное, научитесь держать удар. Потому что заниматься режиссурой сегодня непросто.

Близкую мысль высказал и Адольф Шапиро:
– В нашей профессии все возможно. Будьте готовы ко всему. А главное, всегда говорите своим голосом.

– Награды – вещь субъективная, обратился к участникам фестиваля Григорий Козлов. – По-моему, участие – это уже победа.

По словам Григория Михайловича, его театр уже ведет переговоры с двумя конкурсантами.

Напомним, в конкурсе приняли участие 15 молодых режиссеров. В качестве наград были учреждены три премии равного достоинства, а также награда «Зрительское признание» (победитель в этой категории определялся путем интернет-голосования).

Лауреатом премии зрительских симпатий стал режиссер из Казани Илья Славутский со спектаклем «Женитьба» (Казанский русский драматический театр им. Качалова). Награду вручил член Попечительского совета Биеннале, худрук Детского музыкального театра имени Наталии Сац Георгий Исаакян.

– Мне кажется, мы занимается делом веселым, безбашенным и в то же время таинственным, – сказала Георгий Георгиевич. – Неправы те, кто говорит, что нынешняя молодежь хуже, чем раньше. На самом деле о великих стариках, чьи портреты мы сегодня видели на сцене, тоже когда-то говорили, что они пришли испортить великое искусство. Работы, которые были показаны на нынешнем фестивале, доказывают, что ничего не утрачено и не потеряно.

Для вручения наград остальным победителям ведущие церемонии Ольга Тумайкина и Сергей Безруков пригласили на сцену  Римаса Туминаса и заместителя министра культуры Александра Журавского, который не удержался от анекдота.

– Молодой режиссер с замиранием сердца ждет, как публика встретит его премьерный шедевр. Вдруг видит – вдоль стеночки из зала тихонько выходит зритель. Режиссер к нему:
- Скажите, пожалуйста, вам что, не понравилась постановка?
- Нет-нет, постановка прекрасная.
- Может быть, актеры не те?
- Ну что вы, актеры чудесные.
- А что тогда? Почему вы уходите?
- Страшно одному в зале.

Победителями конкурса стали режиссеры Егор Перегудов с постановкой «Поздняя любовь» («Современник»), Денис Хуснияров со спектаклем «Камень» (Драматический театр на Васильевском) и Егор Равинский (спектакль РАМТа «Свои люди – сочтемся»).

– Я хотел бы поблагодарить за доверие к молодым режиссерам Алексея Владимировича Бородина и Софью Михайловну Апфельбаум. Они дают дорогу, дают кислород и веру, – сказал, получая награду, Егор Равинский.

Зал долго не мог утихнуть, и аплодисменты, конечно, были выражением поддержки Софье Апфельбаум, за которую сейчас переживает весь театральный мир (к глубокому возмущению и тревоге коллег, Софья Михайловна заключена под домашний арест).

Итоги фестиваля подвел Александр Журавский:

– Те, кто задумал Биеннале, хотели создать историю живой театральной традиции. Биеннале – это всегда дуализм: здесь встречаются зрелость и молодость, выставка и зритель, театральная книга и читатель. И мы постарались сделать так, чтобы всем людям театра это было интересно.

Я хочу выразить признательность всем, кто работал над этим проектом, прежде всего, беспрецедентному по составу профессиональному жюри, а также дирекции, зрителям и молодым режиссерам, которые приехали из разных регионов страны показать свои работы на столичной сцене. Победители получили грант на новую постановку из рук почтенных и уважаемых мастеров.
…Кто-то сегодня вздыхает с грустью, кто-то с радостью, кто-то может перевести дух с надеждой, что эта история повторится.