Он не входил официально в программу Качаловского фестиваля, но стал своеобразным завершающим аккордом. Поскольку поставлен  по пьесе выдающегося российского драматурга-классика А.Н. Островского.

Среди зрителей 25 ноября была журналист Любовь Агеева.

Скажу сразу, что спектакль мне понравился. Хотя встретила в театре тех, кого не устроило столь вольное обращение режиссера-постановщика Игоря Коняева с классической пьесой. Знакомство со спектаклем «Укрощение строптивой» по пьесе Шекспира, поставленном в Качаловском театре им же, предполагало, что новая работа будет столь же яркой, но «Лес» превзошел все ожидания.

Я не профессионал в оценке театра, но практика многолетней журналистской работы в сфере культуры позволяет иметь на этот счет свое мнение, возможно, чисто зрительское. Но зритель – главное действующее лицо на любом спектакле.

Так вот, «Лес» показался мне водевилем. И не только потому, что в  спектакле много музыки, причем самой разной, включая современную. Режиссер, совмещая приметы барской усадьбы с деталями нашего времени, например, современным чемоданом Несчастливцева, не скрывал, что спектакль не только о дне вчерашнем. Причем, сочетание несочетаемого показалось мне вполне мотивированным.

В зале ничто не настроило меня против такого Островского, даже четверка ряженых слуг, которые изредка появлялись в виде медведей. Нетрудно было догадаться, зачем  в «Лесу» медведи.

«Как нельзя ставить «Бесприданницу», если нет исполнительницы роли Ларисы Огудаловой, так и «Лес» нельзя ставить, если нет актеров на три роли – Гурмыжской, Счастливцева и Несчастливцева. В Казани они есть», – прочитала я в Интернете мнение  Игоря Коняева.  

«Лес» вполне можно показать как бенефис Светланы Романовой (как естественна она в заданных обстоятельствах!) или Ильи Славутского (его Несчастливцев – слегка напыщенный трагик в любой сцене, но это тоже естественно).

К этой тройке следует добавить великолепного Геннадия Прыткова в роли лакея Карпа, яркого Михаила Галицкого в роли купца Восьмибратова. Собственно, можно назвать всех исполнителей, поскольку мы видим сработавшийся ансамбль, который хорошо понимает, чего хочет режиссер.

Во время Качаловского фестиваля казанская публика посмотрела несколько разных спектаклей классического репертуара, поставленных в разных театрах страны. По моим представлениям, есть четыре магистральных пути, по которым режиссеры обычно идут в этом направлении.

Первый – воспроизводить с музейной точностью спектакли, которые вошли в золотой фонд русского или советского театрального искусства. Это полезно с образовательной точки зрения, но не все в зрительном зале историки театра и театральные критики, чтобы их оценить.

Второй путь – открывать в классической пьесе потаенные смыслы, которые волнуют постановщика и на которые откликнется  современный зритель.  Как мне кажется, было бы интересно посвятить один из Качаловских фестивалей образу Гамлета на русской и зарубежной сцене. Я бы точно не упустила ни одного спектакля. Недавно прочитала, что мы, русские, все на ментальном уровне заражены рефлексией датского принца.  

Третий путь - с помощью современных театральных приемов достучаться до сердец современных зрителей, избалованных поп-культурой, заставить их ходить в театр.  Этот путь в последнее время встречается чаще всего. Многие авторитеты считают, что тут допустимы любые способы. Хотя встречала и другие мнения - пусть молодежь вообще не знает Гамлета, чем видит его на сцене в подпитии.

Есть и  четвертый путь, когда режиссер выбирает нечто среднее, предлагая оригинальные решения как на уровне содержания, так и на уровне формы. Например, именно так ставит классику Лев Додин, театр которого недавно привозил в Казань спектакль «Жизнь и судьба».

Что касается драматургии Александра Николаевича Островского, то в истории отечественного театра можно найти примеры по всем четырем случаям. Широко известны спектакли и фильм Никиты Михалкова по пьесе «Бесприданница». До сих пор помню постановку в нашем Камаловском театре, которая, как мне показалось, была лучше московских спектаклей, которые я в то время видела.

Это касается и пьесы «Лес», которая впервые была поставлена на сцене Александринского театра в Санкт-Петербурге в 1871 году.  Режиссерские интерпретации «Леса» имеют и свои традиции, и свои штампы.

В советские времена на первое место выходили социальные конфликты, которых в этой пьесе Островского, как в любой другой, много. Это и взаимоотношения Раисы Павловны Гурмыжской с ее бедной родственницей Аксюшей, и любовные страдания Аксюши и Петра, которые не могут пожениться, поскольку у невесты нет приданого, и социальное неравенство в целом. «Лес» - хорошая иллюстрация «темного царства» Островского, которое, как видно по пьесе, не сильно изменилось даже после отмены крепостного права.

Я посмотрела текст пьесы и убедилась, что купюры, сделанные Игорем Коняевым, не коснулись магистральных тем сюжета, а потому все эти темы в спектакле есть. Мы получаем полное представление о ханжестве хищной помещицы Гурмыжской, об алчности купца Восьмибратова, о мире, в котором живут их богатые соседи: Бодаев и Милонов. На примере Алексея Буланова, готового ради денег жениться на женщине много его старше, а также ключницы Улиты, мастера перевоплощений, мы видим, как деформируется личность, желающая урвать любыми способами свой  кусок счастья под солнцем.

За яркой динамикой спектакля, за изобретательными театральными приемами, заставляющими зрителей смеяться (комедия ведь), по команде со сцены хлопать в ладоши и подпевать,  все социальные доминанты Островского ушли на второй план. Даже попытка самоубийства Аксиньи  не стала реперной точкой. Зрители позабавились, глядя, как смешно Несчастливцев-Гурмыжский спасает девушку, попытавшуюся утопиться.

Но вот что интересно – я подумала обо всём этом уже после спектакля, когда соотносила свои впечатления с пьесой Островского.  А ведь десятки людей, смотревшие спектакль вместе со мной, не читали ее.  Не уверена, что у них было и желание воспринимать спектакль как трагедию. Тем более что в программке написано – комедия.

Легкость, с которой смотрелся спектакль, не давала воспринять комедию как смех сквозь слезы, что характерно для русской литературы времен драматурга Островского. Сегодня, в эпоху современных медиа-технологий, именно так мы воспринимаем жизнь:  кровь – не кровь, горе – не горе, посмотрел – забыл.  

Можно, конечно, противиться такому мировосприятию. Скажем, уйти после первого действия, как сделали некоторые зрители премьерного спектакля. Но, как я говорила не раз своим студентам, тяжело тому, кто встанет на пути арбы, которая катится с высокой горы.

Как мне кажется, спектакль «Лес» найдет в Казани немало благодарных зрителей.  На премьерном спектакле зал приветствовал актеров и постановочную группу долгими овациями. И современному театру, который работает в сильной конкурентной среде (я имею в виду не только Качаловский), этого вполне достаточно, чтобы считать премьеру успешной.

Сам драматург, если верить историкам театра, развивал и в этой пьесе тему театра. Как заявил журналистам Игорь Коняев, его спектакль – о нравственности театра:

«Нет пьесы, в которой бы, как в «Лесе», утверждалось, что актер – профессия нравственная», – так  прокомментировал он выбор литературного источника.

Этой задаче подчинено в спектакле всё.  Даже не посвященный в первоисточник зритель скажет, что нравственны  в «Лесе» – именно актеры. Правда, персонажу Марата Голубева – комику Счастливцеву - не хватает сценического материала, чтобы быть лучше других.

Зато как великолепен Несчастливцев, добрый, сострадательный, душевный. Не беда, что мыслит в основном цитатами из сыгранных ролей. Зато с каким держится достоинством, как бросается на защиту Гурмыжской, Аксюши…

Персонажу Ильи Славутского, может, и поверю. Но глядя на людей искусства - моих современников,  обсуждающих в телеэфире конфликты с прислугой, на загородные дома наших «звезд», на сами эти «звезды», которым даже не снились беды их собратьев – Счастливцева и Несчастливцева, рискну предположить, что утверждение Островского о том, что  актер – профессия всегда нравственная, сегодня вряд ли назовешь актуальным.

Но спорить с режиссером-постановщиком не буду. Поскольку приняла его понимание Островского.

Новую интерпретацию классической пьесы Александра Островского представили на сцене Казанского академического русского Большого драматического театра им. В.Качалова. Здесь состоялась премьера спектакля «Лес» санкт-петербургского режиссёра, лауреата Государственной премии России Игоря Коняева.  

Постановка получилась по-настоящему яркой. Многочисленные песни в исполнении артистов театра, насыщенно-зелёные декорации, слуги с головами животных – всё это, несомненно, бросается в глаза. Но больше всего запоминаются эпатажные костюмы оттенков «вырви глаз». Во времена Островского, конечно, мужчины не носили розовые шапочки, а женщины – комбинезоны, усыпанные пайетками. Но и тогда, и сейчас юноши иногда женились ради состояния, богатые дамы не хотели расставаться со своим богатством, а купцы (бизнесмены) старались сэкономить на покупке недвижимости.

«Лес» – это спектакль о человеческих пороках, и Игорь Коняев трактовал его максимально иронично. По ходу постановки у зрителя нет времени подумать о том, насколько нравственны или безнравственны поступки героев: он удивляется, наслаждается, смеётся и только по прошествии трёх часов понимает, как дремуч был тот лес. Лирическая минута наступает лишь в конце пьесы, когда актёр Несчастливцев (его играет народный артист РТ Илья Славутский) произносит монолог Карла Мора из драмы Фридриха Шиллера «Разбойники»: «Люди, люди! Порождение крокодилов! Ваши слезы – вода! Ваши сердца – твердый булат! Поцелуи – кинжалы в грудь! …О, если б я мог остервенить против этого адского поколения всех кровожадных обитателей лесов!»  

Новая комедия в КАРБДТ им. В.Качалова маркирована пометкой «18+». Во многом эта запись относится к героине заслуженной артистки РТ Эльзы Фардеевой Улите – возможно, самой соблазнительной ключнице театрального Татарстана.

Вообще, качаловский «Лес» полон неожиданностей. Даже начинается он в партере и со слов «Дорогие зрители, просим вас отключить ваши мобильные телефоны», которые произносит лакей Карп Савельич (играет народный артист России и Татарстана, лауреат Государственной премии РТ им. Г.Тукая Геннадий Прытков). В каждую минуту здесь может случиться всё, что угодно, – никогда не знаешь, когда запоёт Жанна Агузарова, а когда из-под сцены появится актёр Счастливцев (заслуженный артист РТ Марат Голубев).

«Что они сделали с Островским?» – спрашивали зрители после спектакля. Отвечать на этот вопрос можно по-разному. Новая постановка Игоря Коняева – из тех, что вызывают расхождения во мнениях и зачастую приводят к яростным спорам, но точно не оставляют никого равнодушным.

Сегодня 65-летний юбилей празднует ведущий актер и настоящий корифей Русского драматического театра имени В. Качалова Михаил Галицкий. Праздник артист по традиции отметил на сцене. В этот вечер в Большом зале при аншлаге прошел один из любимых и самых известных спектаклей, в которых занят Галицкий, – «Филумена Мартурано. Брак по-итальянски» по пьесе Эдуардо де Филиппо, главную роль в котором исполнил именинник.

Проводив занятых в спектакле актеров овацией, на сцену поднялись молодые артисты Качаловского – Павел Лазарев и Мария Шеховцова. Сегодня они примерили на себя новую роль конферансье, проведя для гостей экскурсию по страницам творческой жизни юбиляра.

Будущий народный артист Татарстана и заслуженный артист России родился 23 ноября 1953 года в городе Вичуга Ивановской области. К моменту окончания школы молодой Галицкий уже точно знал, что будет именно артистом, хотя его дорогу к театральным подмосткам прямой назвать никак нельзя. Была и попытка поступить в Щукинское, и неоконченный год в Ивановском культ-просвет училище, после которого он ушел в армию. Профессиональный путь Михаила Галицкого начался на родине русского театра: в 1976 году он поступил в Ярославское театральное училище на курс народного артиста СССР, лауреата сталинской премии Валерия Нельского.

Первый выход на профессиональную сцену у Галицкого состоялся в ярославском драмтеатре имени Ф. Волкова, где, по признанию артиста, им с товарищем достались очень ответственные роли в постановке «Конек-горбунок»: студенты вживались в образы «задниц» златогривых коней, очень серьезные, по мнению режиссера спектакля.

Казань для артиста стала судьбоносным городом в плане личного счастья и профессионального успеха. Именно в Качаловском актер встретил свою будущую жену Елену, именно на казанской сцене были сыграны его самые памятные роли. С особой теплотой он вспоминает о первом опыте работы с Александром Славутским, о первых доверенных им ролях. «На службу» в театр имени Качалова актер поступил в 1992 году, но, в течение четырех лет, как вспоминает сам Галицкий, сидел без работы, ролей по каким-то причинам ему не давали.

Театр, по словам актера, тогда находился в весьма плачевном состоянии – «одноразовые» режиссеры, текучка и упаднические настроения в труппе. В тот момент, когда они с супругой Еленой уже подыскивали место для переезда, в Качаловский пришел Александр Славутский. Для Галицкого начался новый этап творческой жизни. С тех пор артистом было сыграно более 30 ролей. Зал неизменно тепло принимал и булгаковского профессора Персикова, и бедного Тевье-молочника из фирменного качаловского «Скрипача на крыше», и залотухинского Печенкина в исполнении Галицкого.

Поздравить артиста в этот день пришли многие культурные деятели республики: места в первых рядах заняли делегаты Госсовета Татарстана и мэрии Казани, режиссеры и актеры театров имени Галиаскара Камала, Карима Тинчурина, Габдуллы Кариева, казанского ТЮЗа и театра кукол «Экият». Актер принял десятки букетов и поздравительных телеграмм, из рук заместителя министра культуры РТ Юлии Адгамовой получил медаль «За за доблестный труд». Михаил Галицкий был удостоен благодарственных писем мэра Казани Ильсура Метшина и Союза театральных деятелей России.


«Безусловно, здесь сегодня самые близкие друзья. Но я, может быть, чуть-чуть счастливее, чем вы все, находящиеся в этом зале. И мне совсем не стыдно это говорить потому, что мы – соседи, и когда мы гуляем с собачками по утрам, я могу сказать: "Доброе утро, дядя Миша", – рассказала депутат Госсовета РТ Анастасия Исаева, поднявшись на сцену. – Сегодня, Михаил Олегович, я поздравляю вас с праздником и не могу не отметить черты, которые мне так импонируют в вас: это, безусловно, мудрость, чувство оптимизма, способность к эмпатии и состраданию. Быть артистом – ваша профессия, ваше признание, а вы – наша гордость».

В 80-х годах Михаилу Галицкому довелось работать на сценах Марийского русского театра и Мордовского драматического. С тех пор прошло больше 25 лет, но артиста до сих пор там помнят – поздравительные телеграммы из Йошкар-Олы и Саранска были доставлены в Казань и также зачитаны ведущими вечера.

«Среди множества других артистов кукольники – это такой редкий вид, а я горжусь и буду гордиться всегда тем, что я отношусь к еще более редкому виду – кукольники, которых учил Михаил Олегович. Это мне всегда помогало в моей актерской профессии, а когда я стал режиссером, я понял, что он учил нас и режиссуре. Все ваши уроки, ваша школа, ваши жизненные понятия мне очень помогают. Я хочу вам пожелать долгих лет жизни, чтобы учить, учить, и еще раз учить. Кукольники всегда скромные и с большим сердцем, и подарки у нас такие же…» – поздравил актера режиссер театра кукол «Экият» Рафаэль Тагиров, вручив Галицкому шерстяной плед.

Зал в праздничный вечер был наполовину заполнен бывшими учениками Михаила Галицкого. Актер вместе со своей супругой Еленой в течение многих лет преподает в Казанском институте культуры, поэтому поздравить артиста пришли и нынешние студенты, и выпускники, и профессура вуза.

В начале 90-х на базе Энергетического университета Галицкие создали новый проект – камерный театр «Сдвиг», который вырос из простого студенческого СТЭМа, а теперь дерзко штурмует казанское театральное пространство, обосновавшись в арт-резиденции Константина Хабенского. Актеры молодежного театра подготовили для своего педагога юмористическую миниатюру: поздравление было зачитано на «старославянском языке» двумя бородатыми вельможами. Так воспитанники решили напомнить Михаилу Галицкому об образе Ивана Грозного, который в течение многих лет «не отпускал» артиста.

Под занавес программы к юбиляру обратился директор и художественный руководитель Качаловского Александр Славутский. Он передал имениннику «скромный» конверт от труппы театра и «не очень скромный» – от Фонда поддержки и развития культуры при Президенте РТ.

«Я хочу пожелать тебе сил, здоровья, дорогой мой соратник. Поскольку 25 лет вместе – это трудное дело. Ты – настоящий артист. Я рад, что ты стал заслуженным артистом Татарстана, затем – народным, лауреатом Государственной премии, а потом и заслуженным артистом России. Я бы хотел дожить до следующего звания. Я человек уже не молодой… Тебе хотелось бы пожелать, чтобы ты никогда не забывал, что сколько бы ни было наград, званий, главное нам – не останавливаться и крутить педали на велосипеде. Ведь если мы остановимся, ни звания не спасут, ни награды не поддержат, поэтому – не останавливайся», – заключил Славутский.

«К нам едут с удовольствием»

— Александр Яковлевич, оправдал ли ваши ожидания первый Качаловский фестиваль?

— В принципе, я доволен тем, как он прошел. Фестиваль проходил ровно, без срывов. Приятно, что получилась и хорошая афиша, и офф-программа. Гости фестиваля с удовольствием выступали на нашей сцене, пишут об этом на своих страничках в «Фейсбуке», ставят нам лайки.

— Сколько времени ушло на подготовку первого фестиваля?

— Предварительные разговоры мы начали вести еще с весны этого года, кто-то отпадал, кто-то появлялся. Вначале определились с открытием фестиваля и финалом — театром им. Ленсовета и Вахтанговским. Потом к ним прибавились Камерный театр из Воронежа и Небольшой драматический театр из Санкт-Петербурга. Ну и наш спектакль «Бег».

— Кто-то из участников фестиваля выразил желание приехать в Казань на гастроли?

— Все сказали, что с удовольствием приедут к нам, но надо подумать, как это все получится.

— Когда вы планируете провести второй Качаловский?

— Думаю, что целесообразно проводить фестиваль один раз в два года. Не следует торопиться, мы же не филармония, где по определению должны быть постоянные гастролеры. У филармонии задача привозить и привозить артистов, наша задача — делать спектакли. Будущий год объявлен Годом театра, и у нас большие планы. В апреле к нам приедет театр из Ганновера со спектаклем «На Западном фронте без перемен», в июне на нашей сцене покажет три спектакля Студия театрального искусства Сергея Женовача, они везут в Казань «Три сестры», «Самоубийцу» Эрдмана и спектакль по записным книжкам Чехова. В этой студии работает молодежь, ученики Женовача. В конце июня китайский театр привозит спектакль о своем поэте «Ли-Бай», очень красивая постановка. Конечно, можно к студии Женовача прибавить еще два-три театра и назвать все это фестивалем, но стоит ли? Пока мы думаем. Если делать все это фестивалем, то надо найти спектакль уровня «Дяди Вани» Туминаса, чтобы была мощная финальная точка. Но такие спектакли на дороге не валяются. Поэтому мне кажется, что эти гастроли разумнее провести под эгидой проекта «Наши гости». А в 2020 году уже провести второй Качаловский фестиваль и сделать его реально международным.

«Вахтанговцы хотели бы приехать осенью»

— Концепция фестиваля будет меняться?

— В основе первого фестиваля было наше желание показать авторский взгляд на русскую классику, на второй фестиваль нам бы хотелось пригласить молодые театры России. Студия Женовача, которая летом приезжает, — это молодой театр. Сейчас мы ведем переговоры с «Табакеркой», они могли бы привезти «Матросскую тишину». Сейчас все в процессе обсуждения.

— Самый большой ажиотаж, пожалуй, вызвал приезд Вахтанговского театра. Их гастроли не планируются?

— У директора этого театра Кирилла Крока есть план приехать осенью на гастроли, на их большой сцене в это время будет идти ремонт. И они хотели бы поработать на двух сценах в Казани — у нас и наших коллег. Посмотрим, что получится. Мне кажется, что Казань с ее культурной составляющей заслужила право быть информируемой о том, как движется современный театральный процесс, проследить тенденции развития театрального дела, развития психологического репертуарного театра. Мне хочется, чтобы зрители понимали, что театр — это профессия, что российский репертуарный театр — это то самое ценное, что надо сохранять, остальное придет и уйдет. Этюды, спектакли в подвалах и поездах — все это было, никто не мешает этому быть, пусть будет, но должен оставаться профессиональный театр, который формировался десятилетиями. И никогда он не исчезнет, и никакой кинематограф его не заменит. Его уже хоронили, но не похоронили, он жив.

— Есть статистика, сколько людей посетило фестиваль?

— Около четырех тысяч.

«Это премия для успешных земляков»

— Александр Яковлевич, в этом году на вашей родине в Челябинске вам, как я знаю, хотят дать какую-то интересную награду. Расскажите о ней, пожалуйста.

— Эта премия называется «Светлое прошлое», она вручается людям, которые родились в Челябинске и Челябинской области и стали успешными в разных областях. Среди лауреатов Анатолий Карпов, Александр Пороховщиков, Александр Масляков, Святослав Бэлза, Александр Градский, Анатолий Кролл, Лидия Скобликова и многие другие. Церемония награждения проходит в зале Челябинского драматического театра имени Наума Орлова, и лауреаты получают бронзовую статуэтку работы Эрнста Неизвестного — кентавра с цветком в груди. Автор идеи премии и ее ведущий — бард Олег Митяев. Церемония награждения пройдет 20 января будущего года.

— Каковы ближайшие премьеры?

— 24 и 25 ноября состоится премьера «Леса» по пьесе Александра Островского в постановке Игоря Коняева, на нашей сцене уже идет поставленный им спектакль «Укрощение строптивой». Постановка Коняева стоит ближе к мейерхольдовскому осмыслению этой пьесы. Продолжим репетиции шварцевского «Дракона». Есть планы и в отношении малой сцены. Ведем переговоры с Григорием Дитятковским, с Львом Эренбургом, наши актеры очень хотят с ними поработать. За Эренбургом стоит школа Георгия Товстоногова, школа — это главное. Еще одна новость этого сезона — в феврале, к дню рождения Василия Ивановича Качалова, мы откроем наш театральный музей.

В рамках первого Качаловского фестиваля прошла встреча директоров казанских театров с Кириллом Кроком. Директор Вахтанговского театра, который вчера получил международную премию им. К. Станиславского, считается одним из лучших театральных менеджеров страны. «Реальное время» побывало на этой встрече.

«Фейсбук» вам в помощь

Финальная часть офф-программы Качаловского фестиваля была адресована не зрителям, а руководству казанских театров, тем, кто отвечает за экономическую составляющую театральных проектов. Потому что даже самый талантливый спектакль надо суметь продать, и борьба за зрителя идет постоянно. Этому была посвящена двухчасовая лекция Кирилла Крока, директора Вахтанговского театра.

Стоит отметить, что театр им. Е. Вахтангова в финансовом плане вполне благополучен, средняя зарплата здесь 113 000, а на каждый вложенный государством рубль театр сам зарабатывает два.

Крок начал выступление с того, что сообщил: недавно был создан специальный сайт, где аккумулированы все существующие в стране гранты в области театрального дела — и государственные и те, что учреждены меценатами. Теперь не нужно тратить время на поиски их в интернете, стоит набрать адрес сайта, найти подходящий грант, правильно заполнить заявку и ждать результата. Информация ценная, если учесть, что татарстанские театры, особенно негосударственные, по какой-то причине очень робко работают с грантовой поддержкой.

Один из первых советов Крока касался работы с соцсетями, которые в Вахтанговском театре используют очень активно для продвижения спектаклей. У самого Крока есть страничка в «Фейсбуке» со множеством подписчиков, и он сам ее ведет. По мнению директора Вахтанговского театра, любая новость, выложенная на страничке и не являющаяся официальной, вызывает интерес и собирает много лайков. А это интерес не просто к владельцу странички в ФБ, но и к театру, то есть косвенным образом работает на привлечение зрителя.

«Каждый вечер открывать занавес»

Крок достаточно категорично высказался против разного рода читок пьес или иных форм работы, которые в некоторых театрах подменяют спектакли: «Наше дело каждый вечер открывать занавес, играть спектакль, а в зале должны быть зрители». По его мнению, спектакли должны быть понятными и интересными: «Если режиссер поставил спектакль, который интересен пяти-шести его друзьям — театральным критикам, то это катастрофа для театра, это поражение».

По словам Крока, театр им. Е. Вахтангова — это театр для зрителей, театр для людей. Он привел слова художественного руководителя Вахтанговского театра Римаса Туминаса, который говорит, что «здесь мы заставим зрителя немного поплакать, здесь посмеемся, а потом подведем его к самому главному событию спектакля».

Но не только на спектакли ходит публика в Вахтанговский театр. Здесь, например, в цокольном этаже работает арт-кафе, где проходят творческие встречи с актерами и вахтанговцы показывают свои камерные работы, и эта институция, очень популярная у публики, приносит неплохой доход. Кроме этого, арт-кафе — это еще одна площадка для реализации творческих замыслов актеров театра.

Вахтанговцы первыми из российских театров на постоянной основе ввели у себя экскурсии по театру. Они проходят 2 дня в месяц, билет стоит 500 рублей. Сейчас разработаны три таких тематических экскурсии, и билеты на них раскупаются в очень короткие сроки. Проект, не требуя никаких вложений, так же приносит хотя и небольшую, но прибыль. «В этих экскурсиях есть магия театра», — говорит Крок. И опять-таки — это один из способов заинтересовать публику идущими спектаклями.

Без маркетолога — никуда

В Вахтанговском театре есть должность маркетолога — как в любой сейчас уважающей себя компании. В театре активно работают с клиентской базой, отслеживают, кто заходил на сайт театра, купил или не купил билет на спектакль. Имея IP-адреса этих потенциальных зрителей, театр заключает рекламу по тегам с «Яндексом», «Гуглом» и другими ресурсами, и баннер театра, с которого одним кликом можно перейти на сайт театра и купить билет, появляется на гаджете потенциального зрителя. По статистике. 10—15 процентов людей затем заходят на сайт театра, где одним кликом можно купить билет.

Кстати, ценовая политика в театре вполне лояльна. Самый дешевый билет стоит 200 рублей, можно купить входной билет за 100 рублей и поискать себе место на балконе. Самый дорогой билет стоит 7 тысяч рублей, таких билетов продают всего сорок, и это VIP-зона партера.

Театр, если потенциальные зрители не возражают, собирает их e-mail, сейчас в клиентской базе Вахтанговского их около ста тысяч. По ним деликатно, не более двух раз в месяц, идет новостная рассылка. Как правило, рассылка идет первые дня недели, потому что по статистике большинство людей заходит в интернет именно в рабочие дни.

Сайт Вахтанговского театра удобен и функционален и тоже приносит деньги. Здесь, например, можно купить возможность онлайн- просмотр идущего спектакля. Заплатив четыреста рублей, получаешь пин-код, который действует в течение суток, это связано с удобством зрителей, живущих в других часовых поясах. По словам Крока, онлайн-просмотр пользуется популярностью от Нью-Йорка до Тель-Авива. Разумеется, и в России тоже.

Еще одна статья дохода — издание книг. Это книги о Вахтанговском театре, об актерах и режиссерах, презентации их проходят торжественно, с приглашением театральной общественности. Купить книги, изданные в Вахтанговском, можно в книжной лавке театра. В театре ежемесячно издается газета «Вахтанговец», которая пользуется популярностью у зрителей, многие ее даже коллекционируют. Печатные издания — это тоже популяризация театра.

У Вахтанговского много информационных партнеров, в этих изданиях, как правило, размещается реклама. На нее театр тратит до 400 тысяч в месяц.

Лекция Кирилла Крока стала итоговой на офф-программе Качаловского фестиваля. Присутствующая на ней министр культуры Ирада Аюпова, поблагодарив директора и художественного руководителя Качаловского театра за проведенный фестиваль, отметила, что никакие эксперименты и коллаборации не заменят основной функции театра. А его функция — это постановка профессиональных спектаклей. С ней безусловно согласился и Кирилл Крок, и присутствующий на встрече Александр Славутский.

Первый Качаловский театральный фестиваль, которого самые преданные зрители ждали больше двадцати лет, завершился. Последним аккордом в шестинедельном культурном марафоне стал спектакль государственного академического театра им. Евг.Вахтангова «Дядя Ваня».

Пожалуй, это была самая «звёздная» постановка фестиваля – на одной сцене стояли народный артист России Сергей Маковецкий, народная артистка РСФСР Людмила Максакова, заслуженный артист России Владимир Вдовиченков. Да и режиссёр не менее именитый – художественный руководитель вахтанговцев Римас Туминас. «Дядю Ваню» ставили на сцене Казанского академического русского Большого драматического театра им. В.И.Качалова ни протяжении двух дней. Причём в оба дня в зале был полный аншлаг.

Вообще, этот спектакль воплотил в себе многое из того, что художественный руководитель КАРБДТ Александр Славутский закладывал в идею фестиваля: здесь классика показана без прикрас, современных мелодий и сложных декораций. Всё очень минималистично: гипсовая фигура льва на заднем плане, кожаный диван, стол, стулья, верстак, фортепиано, круглая лампа, которая время от времени превращается в Луну… Глазу даже самого наблюдательного зрителя здесь практически не за что зацепиться, и поэтому внимание полностью приковано к героям.  

Кстати, хочется вспомнить слова директора театра им. Евг.Вахтангова Кирилла Крока, которые он произнёс во время своего мастер-класса в рамках офф-программы накануне казанской премьеры спектакля. «Римас всегда обращает внимание на такую вещь: чтобы человеку было интересно в театре, нужно показать историю, рассказать судьбу и раскрыть человека. Но сделать это не при помощи техники и технологий. Он как режиссёр считает, что в мире нет ничего интереснее, чем внутренний мир человека», – рассказал о своём коллеге Кирилл Крок.

Герои Римаса Туминаса самые настоящие, чеховские. Как и положено своим книжным прототипам, они много рефлексируют, страдают и задыхаются от безысходности. И всё же режиссёр оставил место для иронии. Она чувствуется в простой мелодии, торопливом голосе дяди Вани (его играет Сергей Маковецкий), нарочито театральных движениях Елены Андреевны (роль исполняет заслуженная артистка России Анна Дубровская). За счёт таких тонкостей создаётся особая атмосфера лёгкости, а в некоторые моменты, несмотря на пламенные монологи героев и отчаянные выстрелы, мы даже забываем о драматичном финале.  

Но он, конечно, есть. Спектакль обрывается на легендарном «Верую!» из уст Сони (Марии Бердинских). И реплики героини о том, что работать до изнеможения – это единственно возможный жизненный путь, в зале, заполненном людьми, пришедшими сюда после восьмичасового рабочего дня в понедельник, отдались особенным эхом. Впрочем, после этого дядю Ваню, а потом и всех зрителей осветил луч прожектора, который поставил многозначительную точку на большом театральном празднике Казани. По сложившейся за последние несколько недель традиции по окончании спектакля на сцену поднялся Александр Славутский и вручил московским друзьям «бронзового Качалова» (или, как он выразился, «наш «Оскар»). «Этот спектакль очищает душу, освежает её. При всей сложности Чехова хочется жить, хочется любить, хочется дружить», – отметил художественный руководитель Качаловского театра.

Растроганы в этот день оказались и сами артисты. «Мы с огромной благодарностью принимаем этот «Оскар». Спасибо, Казань! Спасибо, дорогие зрители, за то, что вы так хорошо смотрели и вчера, и сегодня. Мы благодарим этот замечательный, уютный, светлый, намоленный театр имени Качалова. Желаем фестивалю процветания! Говорим «большое спасибо» художественному руководителю Александру Славутскому и его замечательной труппе», – обратился со сцены к собравшимся Сергей Маковецкий и выразил надежду, что это не последние гастроли театра им. Евг.Вахтангова в столице Татарстана.  

Русский драматический театр имени В. Качалова 19 ноября завершил программу Первого Качаловского фестиваля показом спектакля «Дядя Ваня» Римаса Туминаса. Помимо одной из своих брендовых постановок Вахтанговский театр привез в Казань презентацию собственных достижений за минувшее десятилетие.

В последний день off-программы директор Вахтанговского театра Кирилл Крок провел мастер-класс для руководителей казанских театров. Изначально встреча была маркирована форматом круглого стола, но за более чем двухчасовое выступление Крока почти никто из присутствующих так и не решился его прервать. А в числе гостей были руководитель КАРБДТ им. В. Качалова Александр Славутский, директор ТГАТ имени Г. Камала Ильфир Якупов, директор Казанского ТЮЗа Айгуль Горнышева, руководитель Молодежного театра на Булаке Виктор Степанцов и многие другие.

Как академическому театру сохранить зрителя и конкурировать с попсовыми шоу-программами? Почему кружкам и проектам для людей с ОВЗ не место в театре? Зачем постить в Instagram закулисную жизнь и где найти деньги на качественный маркетинг? На эти вопросы Крок попытался ответить, рассмотрев кейсы Вахтанговского театра. Многие высказывания столичного театрального менеджера «за столом» были восприняты неоднозначно. Подробнее о самых громких заявлениях и любопытных тезисах главного вахтанговца – в репортаже «Татар-информа».

«В театральном сообществе Татарстана нужно инициировать вопрос госзакупок»

Начал Крок с самого «злободневного и болезненного», как выразился сам спикер, что есть сегодня в театральной сфере, – театрального законодательства, а точнее его несовершенств. Речь зашла о 44-м Федеральном законе, который обязывает все госорганизации, включая театры, проводить закупки через систему открытого аукциона – госзакупок. Директор Вахтанговского объяснил, что объем экономии за 2018 год, которая образовалась от действия этого закона, составила 1 млн 400 тысяч рублей. Между тем сумма затрат на его обслуживание (включая зарплаты двух сотрудников контрактной службы и затраты на услуги фирмы, которая помогает театру проводить аукционы) составила около 3,5 млн.

Мы не против того, чтобы проводить открытые конкурсные закупки, мы против того, что на данный закон мы тратим больше, чем он приносит некой прибыли, когда мы выбираем тех или иных подрядчиков. Более того, он ужасно неудобен в административном обслуживании. Он чудовищен, потому что на первый план выходит только один критерий – цена поставщика. Нет ни качественных параметров, ничего», – подчеркнул Крок.

Он рассказал, что около года назад с несколькими руководителями московских театров уже пытался обратиться в Госдуму с просьбой о пересмотре «всеми любимого 44-го», инициативной группой были разработаны «революционные» поправки к закону, которые позволили бы театрам тратить до 50 млн рублей без процедуры аукциона. Но поправки получили отрицательное заключение правового управления Государственной думы. Деятелям театра было предложено заняться созданием нового отраслевого закона вместо того, чтобы пытаться исправить уже существующий. Кирилл Крок добавил, что сочувствует своим коллегам – директорам театров, которые не имеют статуса федерального.

«Выяснилось, что в Татарии, как и в Москве, до сих пор не введен в действие местной властью Федеральный закон № 223 о правилах расходования собственных средств от основной приносящей доход деятельности – не разрешают им пользоваться. Так как мы федеральный театр, все федеральные законы для нас являются обязательными к исполнению. И многое, что в театре можем себе позволить, мы делаем именно в рамках 223-го закона, – пояснил спикер. – Я просто с ужасом представляю, как любую, самую маломальскую хозяйственную проблему, задачу вам приходится решать через бесконечные конкурсные процедуры, закупки. Поэтому мне кажется, что в театральном сообществе республики нужно инициировать этот вопрос, поставить перед властью: “Почему до сих пор этого нет?”».

«Сегодня мнение человека, у которого 7 млн подписчиков, определяет отношение к культурному продукту»

Вторым важнейшим для Крока вопросом стала открытость современного академического театра. Отметив, что театр сейчас переживает «небывалый расцвет», гость заострил внимание участников круглого стола на необходимости встраиваться в новые коммуникационные системы, в частности соцсети. По словам вахтанговца, рынок профессиональных печатных изданий становится все уже, между тем вся коммуникация уходит в Интернет – к блогерам, интернет-сайтам и форумам.

«Нужно понимать, что сегодня сарафанное радио, которое повелось с советских времен, никуда не делось, просто это сарафанное радио перешло в поле Интернета. Сегодня порой мнение человека, у которого 7 млн подписчиков и 500 лайков на посте, определяет отношение к культурному продукту, – заявил Крок. – Помните о том, что ведение социальных сетей в учреждениях культуры является очень важной вещью».

В театре Вахтангова на социальные сети обратили внимание год назад. Были перезапущены странички театра в Facebook, «ВКонтакте» и «Одноклассниках». Для обучения сотрудников пресс-службы театр привлек стороннюю фирму, уже через 9 месяцев после обучения аудитория социальных сетей театра выросла почти на 80 процентов. Ведение личных страниц в соцсетях, страниц театров – прежде всего, продвижение и популяризация, наращивание аудитории, подчеркнул спикер. Многим руководителям театров не мешало бы поскорее избавиться от косного мышления и начать вести активную жизнь в Сети, сказал Крок.

Я никогда не придавал такого значения соцсетям. Зачем? В театре всегда все билеты проданы, аншлаги… Но вы знаете, что меня сподвигло? Вы попробуйте, Александр Яковлевич, повесить у себя на странице фотографию с вашего экрана, где видна запись со всех камер наблюдения театра, – обратился Крок к руководителю Качаловского театра Александру Славутскому, сидящему рядом. – Когда мы повесили ее у себя на сайте, эта новость собрала почти 700 лайков. Казалось бы, ну что здесь такого? А это цитирование, это публичность, которой не хватает нашим театрам. Неважно, что о вас пишут, хорошо или совсем плохо, вас упоминают, о вас говорят, и неважно что, не бойтесь этого! Контент для социальных сетей – это совершенно иной, неформальный ракурс: репетиции, новый костюм. Кто-то женился – в соцсети! Развелся – тоже туда! И это не просто лайки ради лайков, это зрительская аудитория, которую мы должны расширять».

В числе маркетинговых приемов, которые помогают Вахтанговскому быть более открытым и привлечь свою аудиторию в зал, Крок назвал также съемки и распространение бекстейдж-роликов из закулисья, онлайн-трансляции спектаклей и творческих встреч, интервью артистов, проведение экскурсий по внутренним пространствам театра.

«Доходность театра – главный критерий его успешности»

Доходность театра – главный критерий его успешности, уверяет Кирилл Крок. Прибыль можно извлекать как с помощью традиционных продаж билетов в залы, так и с помощью создания новых интересных публике проектов. В 2015 году в Театре имени Евгения Вахтангова открылась Новая сцена – наконец были завершены работы в соседнем от основного театра здании по Арбату, 24. В подвале дома строители заложили небольшие площади под театральный ресторан, но дирекции театра показалось неактуальным создание еще одного театрального буфета. Было решено превратить 300 незанятых «квадратов» в арт-кафе.

Уютное помещение с небольшой сценой, оформленное главным художником Вахтанговского театра Максимом Обрезковым, предназначено для проведения творческих вечеров, поэтических чтений, выступлений оркестра Вахтанговского театра, сольных концертов и представлений приглашенных мастеров. В камерном пространстве вокруг сцены расположены столики, за которыми и размещаются зрители. До начала программы или после ее завершения по отдельному меню гости смогут заказать алкогольные напитки, кофе, чай, закуски, сладости и фрукты. Коммерческая вместимость зала – 88 мест, в месяц там проходит порядка 15–17 мероприятий.

«С помощью этой площадки мы решаем задачи популяризации театра, поддержки самостоятельных программ артистов, актерской занятости. Сегодня, как вы знаете, зритель ищет более доверительного, более камерного общения с артистом. Когда вот здесь, перед глазами, на маленькой сцене все происходит, а после окончания можно подойти лично и взять автограф. Много чего можно сделать в такой интересной, камерной обстановке. Для нас с вами – менеджеров театра эта площадка решает и еще один важный вопрос – привлечение дополнительных средств», – резюмировал Крок.

По его словам, программа арт-кафе стабильно находит свою зрительскую аудиторию круглый год. Стоимость билета на мероприятия площадки начинается от 400 рублей и доходит до 3,5 тысячи. Таким образом, аншлаговая стоимость (выручка от продажи всех билетов на одно мероприятие) доходит до 70 тысяч рублей. За год средняя заполняемость площадки составила 86 процентов. В конце прошлого года за минусом всех расходов на содержание зала и гонорары артистам зал вышел на чистую прибыль в 723 тысячи рублей.

«Вы не думайте, что это только в Москве так, а у нас иначе. Я все время сегодня вам буду эту фразу, уж простите, повторять: не география определяет то, что мы делаем, а люди, которые хотят и будут это делать, – в очередной раз настаивал Крок, обращаясь к казанским театральным деятелям. – Поверьте, не география, мы с такими же проблемами сталкиваемся каждый день, как и каждый из вас. Берите идеи и используйте. Я знаю, что некоторые региональные театры уже создали у себя подобные сцены».

«Я считаю недопустимым, когда театр свои функции подменяет такими вещами, как работа с инвалидами»

Должен ли театр заниматься социальной работой? Да, должен, считает Крок, но только в разумных пределах. По мнению спикера, для театра допустимо создавать благотворительные программы, вывозить их в больницы и дома-интернаты. Но ни в коем случае не наоборот – театру не нужно ставить спектакли с участием людей с ограниченными возможностями здоровья, подменяя такими «социальными инициативами» основной род занятий, уверен он.

«Я категорически считаю недопустимым, когда театр свои функции подменяет такими вещами, как работа с инвалидами, когда театр берет на себя функции работы с детьми – организует какие-то кружки и литобъединения и так далее. С моей точки зрения, это все может сегодня рассматриваться как «театр +». А сегодня многие вместо того, чтобы показывать спектакли, начинают делать какие-то театры-лаборатории, бесконечные читки пьес, кружки с детьми, – посетовал Крок. – Слушайте, но это и есть дополнительное образование! Те, у кого есть потребность в этом, пожалуйста, идите в учреждения дополнительного образования, организуйте там театральную студию и занимайтесь этим. Это мое личное мнение».

«Наше дело с вами – каждый вечер открывать занавес, при том чтобы на сцене были артисты, а в зале – публика. Вот задача театра, которая существует со времен Древней Греции, и это его главная функция. То, во имя чего он создан и ради чего его поддерживает государство. Мы много говорим с Римасом Туминасом о том, что мы развиваем театр для зрителя, а не для самовыражения. Мы не говорим о том, что если это никому не интересно, это их проблемы, это не так. Если то, что поставил режиссер, интересно пяти-шести его друзьям-критикам, то это катастрофа для театра. Театр должен работать и бросать все свои ресурсы именно для зрителя», – добавил руководитель Вахтанговского.

Кирилл Крок – известный в театральном мире спикер и популяризатор своего дела, ему часто приходится выступать перед руководителями и менеджерами региональных театров. Поэтому финальную часть своего выступления он посвятил внедрению единой системы продажи театральных билетов, которая связывает в одну базу продажи непосредственно через сам сайт театра, системы билетных операторов и городских касс. Широко использоваться такая система начала около трех лет назад. Она пока не внедрена во всех регионах, но казанские театры преимущественно уже перешли на подобный формат ведения дел, поэтому мы не будем останавливаться на этой части и подробно описывать все преимущества таких инноваций.

Не все гости встречи были согласны с утверждениями Кирилла Крока, но формат выступления и ограниченность во времени не позволили им высказаться. «Татар-информ» собрал срез мнений участников круглого стола.

Министр культуры РТ Ирада Аюпова:

«Выступление Кирилла Игоревича лишний раз подтвердило, что мы на правильном пути. У нас фактически введена та же самая система по продаже билетов с открытыми шлюзами – через сайт театр имени Галиаскара Камала продает около 30 процентов билетов. Мы услышали множество идей по части маркетинга, которые нужно будет реализовать у себя. Сегодня действительно театр, театральное пространство претерпевают изменения, как и все в нашем мире, поэтому нельзя рассматривать все, что происходит, как угрозы, надо во всем искать возможности. От меня лично Кириллу Игоревичу огромные слова благодарности за такое подробное описание всех проектов, потому что я не всегда могу убеждать своих коллег в том, что это нужно делать. Лучшее продвижение – это личный опыт. Кирилл Крок своим выступлением показал, что идеи, к которым мы пытаемся подключить своих руководителей некоторых театров, вполне реализуемы».

Директор Казанского ТЮЗа Айгуль Горнышева:

«Здесь прозвучало много чего интересного, нужно обдумать, прежде чем делать заявления. Я обязательно соберу свой коллектив для обсуждения. Но надо понимать, что у Вахтанговского театра шесть сцен и очень многие вещи, в том числе и маркетинговые проекты, которые они делают, они делают за счет внебюджетных средств от доходов этих сцен. Хоть Кирилл Игоревич и апеллирует к утверждению о том, что география не важна, но это не совсем так. Если московский зритель готов купить билет в театр за 7 тысяч, то в Татарстане это не так. Прозвучал сегодня один тезис, с которым я вообще не могу согласиться. Речь о мысли, что театр не должен заниматься инвалидами, не должен открывать развивающие студии. Кирилл Игоревич напрочь это отвергает. Но я думаю, что с его чутьем, профессионализмом и пониманием зрителя, если бы он возглавлял детский театр, он бы по-другому к этому относился.

Во время выступления прозвучала еще одна спорная мысль о том, что главный показатель успешности театра – касса. Я бы сказала по-другому. У Вахтанговского театра тоже разный репертуар. Говоря, например, о спектакле «Наш класс» (по пьесе польского драматурга Тадеуша Слободзянека), он очень непростой и требует определенной интеллектуальной работы от зрителя. Работая с такими постановками, важно найти для каждого спектакля своего зрителя».

Директор ТГАТ им. Г. Камала Ильфир Якупов:

«Все, о чем рассказал Кирилл Крок, абсолютно применимо в реалиях татарстанских театров и, конечно, театра имени Галиаскара Камала, мы все это уже применяем в той или иной степени и форме. На сайте театра есть интернет-магазин, в котором мы продаем записи артистов, книги, с февраля этого года мы ведем онлайн-трансляции и прямые эфиры в социальных сетях. Из нового я для себя выделил идею создания зала типа арт-кафе, мне эта идея понравилась, у нас есть помещение, которое могло бы превратиться в арт-кафе. Я думаю, мы это обсудим внутри театра и, возможно, попробуем».

19 ноября знаменитый спектакль художественного руководителя Вахтанговского театра Римаса Туминаса «Дядя Ваня» с Сергеем Маковецким в главной роли завершил первый Качаловский фестиваль, организованный Казанским академическим русским Большим драматическим театром имени В.И. Качалова.

Два вечера подряд вахтанговцы играли в Казани «Дядю Ваню», и это событие в жизни города хочется назвать очень важным, если не самым главным за прошедшие дни. И дело не только в том, что один из лучших театров России привез в столицу Татарстана свой признанный спектакль. Ценно то, что случилась «магия театра»: произошел настоящий диалог артистов с публикой – диалог о вечном, о глубоком, о том, что должно волновать каждого человека во все времена, а особенно, в нашу эпоху торжества материальных ценностей и всесильной власти денег. Сергей Маковецкий сказал вчера со сцены казанским зрителям: «Спасибо вам большое. Вы очень хорошо смотрели спектакль. Мы счастливы играть для вас в этом уютном, прекрасном, намоленном театре, где работает прекрасная труппа». Эти слова дорогого стоят. На прощание же народный артист пожелал всем счастья, здоровья, дальнейших встреч в театре и…луча надежды! В финальной сцене спектакля Вахтанговского театра «Дядя Ваня» Иван Петрович Войницкий (Маковецкий) маленькими быстрыми шагами покидает сцену в тусклом луче света…

Как сказал художественный руководитель и директор КАРБД Александр Славутский, «жаль прощаться с Качаловским фестивалем, но радостно, что его финальным аккордом стал такой прекрасный спектакль, очищающий душу». Александр Яковлевич вручил вахтанговцам фестивального «Оскара» – статуэтку Василия Качалова.

За полтора месяца, с начала октября, в Качаловском театре свои спектакли также показали Санкт-Петербургский театр имени Ленсовета, Воронежский камерный театр, Небольшой драматический театр (Санкт-Петербург) и сам КАРБДТ. Согласно концепции Качаловского фестиваля «Авторский театр. Взгляд на русскую классику», акцент в выборе драматургов был сделан на классиков: Чехова, Гоголя, Горького, Островского, Булгакова.

Наряду со спектаклями, в рамках фестиваля шла насыщенная офф-программа, включившая в себя мастер-классы, творческие встречи, круглые столы с участием авторитетных режиссеров: Юрия Бутусова, Михаила Бычкова, Александра Славутского, Льва Эренбурга, театрального критика Бориса Любимова, директора Театра имени Вахтангова Кирилла Крока. Кирилл Игоревич в воскресенье 18 ноября дал директорам казанских театров полноценный мастер-класс успешного театрального менеджера, подробно рассказал, как строит свою работу в «империи Вахтангова». Он настойчиво советовал, можно сказать, назидал коллегам тщательно изучать свою публику, активно работать в социальных сетях, использовать онлайн-инструменты демонстрации спектаклей и творческих вечеров, проводить экскурсии, показывая «театральную кухню»… Крок констатировал, что сегодня на мнение публики, на зрительский интерес может повлиять даже далекий от искусства блогер, популярный в интернете. Поэтому театральным менеджерам нужно, что называется, «быть везде», держать нос по ветру. В заключении Кирилл Крок дал напутствие казанским коллегам: «Держитесь и не падайте!».

Качаловский театральный фестиваль завершился, и, очевидно, расставание с ним не будет долгим. Первый блин не оказался комом. Этот форум русского драматического искусства, получивший поддержу Правительства Татарстана, прошел с успехом, вызвал много откликов, был востребованным и у публики, и у ведущих театров Москвы, Санкт-Петербурга, Воронежа. Верится, что казанский Качаловский фестиваль может стать новой культурной визиткой столицы Татарстана, занять свое место в ряду узнаваемых театральных фестивалей России.

«Нужны единомышленники»

«Вообще-то я человек молчаливый, разговаривать люблю только о театре. О чем другом можно еще разговаривать?» — пошутил Юрий Бутусов в ходе встречи. «О театре» он разговаривал с казанцами почти 2 часа. Встреча с одним из топовых российских режиссеров, обладателем «Золотой маски» и «Золотого софита», нынешним главным режиссером Вахтанговского театра, прошла в рамках офф-программы Качаловского фестиваля.

Кстати, напомним, что фестиваль начался в октябре именно со спектакля Бутусова «Город. Женитьба. Гоголь», который привез в Казань театр им. Ленсовета, где до недавнего времени Бутусов был главным режиссером. В октябре Бутусов не смог приехать в Казань, ставил спектакль за границей, выбравшись же в ноябре, запланировал для себя просмотр булгаковского «Бега» в постановке Александра Славутского и вчерашнюю встречу с актерами, студентами и журналистами.

Встреча шла в формате вопрос-ответ. Первый вопрос из зала касался того, по-разному ли режиссер работает с актерами и студентами? «Никакой принципиальной разницы для меня нет. Я что-то, видимо, умею одно и делаю это и со студентами, и с актерами. Если актер не готов, то, скорее всего, мы не будем работать вместе», — ответил Бутусов.

Не называя впрямую это понятие, он, скорее всего, тяготеет к формуле «театр-дом ». По его словам, когда он ставит спектакль, для него важно, если не «создать семью», то «выстроить маленькую компанию», сплотить группу единомышленников. Он никогда никого не держит, потому что «театр — дело полюбовное, если нет любви, нет доверия, то ничего не выйдет». Очевидно, по этой причине Бутусов достаточно прохладно относится к антрепризе.

Как близкий ему в этом смысле коллектив Бутусов привел в пример Малый драматический театр Льва Додина, как раз существующий по принципу «театр-дом». Бутусов рассказал, что ему просто нравится находиться в МДТ, «просто сидеть у них в коридоре, потому что там аура такая — как в библиотеке».

Тем не менее он любит новые театры, «потому что нефть иногда кончается и надо бурить новые места».

«Зритель не должен читать пьесу»

Должен ли зритель приходить в театр подготовленным, прочитать пьесу, например? Об этом давно ведутся споры, и, естественно, что такой вопрос был задан Юрию Бутусову. По мнению режиссера, это необязательно: «Зритель не должен читать пьесу, не должен готовиться к спектаклю. Если он потом захочет пьесу перечитать, значит, мы чего-то добились.

Станиславский или Брехт? Чьи режиссерские методы ближе Бутусову? Вопрос об этом тоже прозвучал. Режиссер ответил на него вполне обстоятельно, обозначив, что творческий человек должен быть открыт всему новому: «Для меня не существует никаких рамок. Я поклонник Малевича, предположим, его «Черного квадрата», и так же великого Иванова с «Явлением Христа народу». Вершин много, и отрицать что-то, мне кажется, нелепо, это обедняет жизнь человека. Что такое система Станиславского? Я сегодня отношусь к ней не как вчера. Вот есть классические пьесы, но для того, чтобы их понять, их надо перечитывать постоянно. Если ты перечитал ее 10 лет назад, то это не значит, что ты знаешь эту пьесу. Потому что она живая, и она развивается вместе с тобой, с миром. Система Станиславского, его метод, назовите как угодно, — это абсолютно идеальная вещь для воспитания артистов. Лучше что-то трудно придумать. Но при этом я люблю и методологию Брехта. Существует еще масса ответвлений, и мне кажется, правильно знакомить студентов со всеми ними. Актерский организм должен сам выбрать свой путь».

У Юрия Бутусова весьма своеобразное отношение к успеху и неуспеху. На собственном опыте он полагает, что неуспех иногда более продуктивен, чем успех. В его биографии есть такой случай, когда он попросил снять с репертуара очень успешный с точки зрения зрителей спектакль, который шел при аншлагах. И при этом из, казалось бы, неуспешного спектакля потом выросло несколько интересных постановок.

Режиссер пояснил, как возник спектакль «Город. Женитьба. Гоголь», который дважды при аншлагах прошел в рамках Качаловского фестиваля. Ему хотелось высказаться о Петербурге, и пьеса Гоголя, населенная этими странными, но исконно питерскими персонажами, для этого очень подошла.

«Что для вас включает понятие «мой артист»? — спросили Бутусова. «Мой артист не может быть важным. Мой артист — это человек, который берет на себя ответственность», — ответил режиссер.

Качаловский фестиваль между тем продолжается. В его программе пройдет круглый стол по проблемам современного репертуарного театра и в течение двух вечеров (в ближайшие воскресенье и понедельник) труппа Вахтанговского театра сыграет «Дядю Ваню» Римаса Туминаса.